Leitartikel Fotografie und Musik

Wie fängt man die Unmittelbarkeit eines Klangs ein, wenn er aus den Verstärkern dröhnt? Diese Frage beschäftigt Musikfotografen seit Generationen, von den ikonischen Aufnahmen der Rock- und Popstars der 60er und 70er Jahre bis hin zu den Anfängen von Punk und Hip-Hop. Einen Klang einzufangen ist unmöglich, aber ein Gefühl einzufangen, ist eine ganz andere Sache…

Wenn man über Musikfotografie spricht, muss man auch subkulturelle Identitäten und ihre visuellen Kennzeichen berücksichtigen. Wenn jemand “Metal” sagt, kommen einem fast sofort einige Dinge in den Sinn.

Natürlich gibt es die Musik, aber auch die Kleidung: weite schwarze Hosen und Kapuzenpullis, lange Haare, Bärte und Piercings. Dasselbe gilt für Hip-Hop, Punk, Grunge und so ziemlich jedes andere Musikgenre.

Die Identitäten, die Menschen für sich selbst schaffen und die sich zumindest im späten 20. Jahrhundert mit Musik identifizieren, waren Gegenstand zahlreicher Fotografien. Derek Ridgers, der Fotos von allen möglichen Leuten gemacht hat, von James Brown bis Nick Cave, machte sich mit seinem bahnbrechenden Projekt “Skinheads” einen Namen, das sich mit dem umstrittenen Jugendkult der frühen Thatcher-Jahre in Großbritannien in den späten 70er und frühen 80er Jahren befasste.

Seine eindrucksvollen Bilder der tätowierten und kahlgeschorenen Jugendlichen, die Punk und Hardcore folgten, zeugen von Rebellion, bergen aber auch subtile politische Untertöne. Sein Werk markiert eine wichtige Epoche der modernen britischen Geschichte und beleuchtet die Komplexität der Sparmaßnahmen unter Thatcher aus der Perspektive der unzufriedenen Jugend. Später wurde sein Werk von Morrissey gewürdigt und zur Förderung der Band verwendet. Ihre Arsenal-Tour.

Auch Graeme Oxby hat die weltweite Elvis-Besessenheit und die Anstrengungen der Fans, ihren Idolen näherzukommen, dokumentiert. Sein Projekt Die Könige von England Die Serie begleitet Elvis-Imitatoren bei ihrem eintönigen Alltag, wobei ihnen der King mit Rat und Tat zur Seite steht.

Oxbys Werk ist eine augenzwinkernde Erkundung dieser Elvis-Superfans, die um Arbeit konkurrieren, in ihren Heimatstädten auftreten und in ihren Schlafzimmern singen. Indem man sich nicht auf die Künstler selbst, sondern auf die Fans und deren Beziehung zum Musiker konzentriert, kann man den kulturellen Einfluss erkennen, den die Musik auf Menschen über Jahrzehnte hinweg hatte.

Auf der anderen Seite der Welt fing der malische Fotograf Malick Sidibé in seinen Werken den euphorischen Zeitgeist ein, der Bamako in den 1960er Jahren erfasste, als die französische Kolonialherrschaft zu Ende ging. Mali. Als die Nation tiefgreifende Veränderungen durchmachte, reagierte die Jugend natürlich darauf und befreite sich von ihren Fesseln, indem sie Musik und Mode als Ausdrucksmittel nutzte.

Sidibé behauptet “Wir traten in eine neue Ära ein, und die Menschen wollten tanzen. Die Musik befreite uns. Plötzlich konnten junge Männer jungen Frauen nahekommen, sie an den Händen halten. Vorher war das verboten. Und jeder wollte beim Tanzen aus nächster Nähe fotografiert werden.” Sein ikonisches Foto eines Paares, das in einem Club an Silvester 1963 tanzt, ist ein perfekter Moment purer Ekstase, bei dem man die Musik fast hören kann.

Zur gleichen Zeit dokumentierte Roy DeCarava das Leben in seiner geliebten Stadt New York, indem er alltägliche Szenen auf den Straßen der Stadt einfing und nachts seine Aufmerksamkeit den Jazzkünstlern zuwandte, die die Underground-Clubs der Stadt zum Beben brachten.

DeCaravas Bilder, die in dem Fotobuch ‘The Sound I Saw” veröffentlicht wurden, sind in seiner poetischen und modernistischen Bildsprache festgehalten und verkörpern das Wesen des Themas: spontan, subjektiv und fesselnd.

“Ich kaufe viel aus reiner Neugier. Ich kaufe es, wenn mir das Albumcover gefällt, ich kaufe es, wenn mir der Name der Band gefällt, alles, was meine Fantasie anregt.” Bruce Springsteen

Darüber hinaus war die kreative Synergie zwischen Fotografie und Musik schon immer ein wichtiges Element des Albumdesigns. Viele international renommierte Fotografen haben einige der ikonischsten Alben der Musikgeschichte gestaltet – Bilder, die im kollektiven Gedächtnis der Gesellschaft verankert sind.

Von vier Männern an einem Zebrastreifen bis hin zu einem buddhistischen Mönch, der in Flammen steht, dem Reißverschluss einer blauen Skinny-Jeans, einem brennenden Mann, der einem anderen die Hand schüttelt – nur einige Beispiele für die visuelle Darstellung, die den schwarzen Vinylplatten im Inneren zuteilwurde und die Generationen von Musikfans tief beeindruckt haben.

Obwohl sich das Albumformat seit dem Aufkommen digitaler Musik und dem Aufstieg des Online-Streamings verändert hat und vielleicht etwas von seiner Bedeutung als Kunstwerk eingebüßt hat, werden sich Fotografie und Musik weiterhin gegenseitig beeinflussen, solange Musiker und Fotografen die Arbeit des jeweils anderen wertschätzen. Viele der bekanntesten Albumcover von heute sind keine Auftragsarbeiten, sondern das Ergebnis der Auseinandersetzung der Musiker mit der Bildgeschichte.

Obwohl Musik und Fotografien für sich selbst sprechen, beeinflussen sie sich zweifellos stark gegenseitig und sind auf unzählige Arten miteinander in Berührung gekommen. Da sich die Musik selbst verändert, eröffnen sich für Fotografen unzählige Möglichkeiten, diese sich wandelnde Landschaft zu dokumentieren – sowohl auf ausdrucksstarke als auch auf eher journalistische Weise.

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