Editorial Breve historia de la fotografía en color

Desde los inicios de este medio, los fotógrafos han anhelado colorear sus imágenes monocromáticas, siendo la pintura a mano sobre fotografías impresas un método muy utilizado durante el siglo XIX.

La invención de la fotografía en color ha sido un tema muy debatido, y Levi Hill, un pastor bautista estadounidense, afirma haber inventado un método ya en 1851.

Otros consideran que la imagen de una cinta de tartán, tomada unos diez años después, es el prototipo. Capturada por Thomas Sutton (el inventor de la cámara réflex de objetivo único), utilizó un método de color aditivo inventado por el físico matemático escocés James Clerk Maxwell. Fue también por esta época cuando el inventor Louis Arthur Ducos du Hauron estaba formulando una técnica similar, basada en la teoría de los tres colores, que sigue siendo la base de la imprenta actual.

Su método consistía en filtros de vidrio recubiertos con granos teñidos de almidón de patata, y sentaría las bases para desarrollos posteriores, incluyendo el Autocromo, presentado en 1907 por los hermanos franceses Auguste y Louis Lumière, inventores del Cinématographe. Autocromo Este proceso permitió capturar imágenes a todo color con un realismo que superaba al de sus predecesores, y rápidamente se convirtió en la forma dominante de fotografía en color. Sin embargo, era lento y engorroso, requiriendo largas exposiciones que hacían imposible la captura de imágenes en movimiento.

En 1936, Kodak revolucionó la fotografía en color con el lanzamiento de su ahora legendaria Kodachrome. Esta película de inversión de color permitía capturar imágenes con gran detalle y una cromaticidad expresiva y completa, lo que la hizo extremadamente popular entre los fotógrafos comerciales en la segunda mitad del siglo XX. Sin embargo, los defensores de estilos más "serios", como el fotoperiodismo, continuaron rechazando en gran medida el atractivo de la fotografía en color, considerándola ostentosa, carente de autenticidad y un obstáculo en su constante lucha por que su medio fuera reconocido como una forma de arte genuina.

Una excepción fue Austriaco Ernst Haas, quien, aunque no siempre fue reconocida como tal, estuvo a la vanguardia del movimiento inicial del color y ayudó a sentar las bases para quienes le siguieron. Inicialmente trabajó exclusivamente en blanco y negro, pero su incursión en la imagen a color comenzó con la compra de su primera Leica, poco después de su incorporación a la agencia Magnum en 1949.

Fotógrafo polifacético, su obra abarcó tanto la fotografía comercial (fue el primero en fotografiar al "Hombre de Malboro") como el fotoperiodismo, aunque es en su fotografía callejera donde su uso del color resulta más profundo. Imágenes de una ciudad mágica, Una serie de fotografías en color de Nueva York es un excelente ejemplo de su virtuosismo. El uso de ángulos inusuales, la velocidad de obturación lenta y los reflejos crean un retrato parcialmente abstracto, con tonos sepia, de la ciudad que más tarde se convertiría en su hogar, y reflejan la personalidad de espíritu libre de Haas, a la vez que demuestran las capacidades artísticas del medio.

Saúl Leiter, Contemporáneo de Haas, fue otro importante colorista de la época; sus representaciones de las calles que rodeaban su casa en Manhattan durante los años 50 y 60 son verdaderamente extraordinarias y ejemplifican el enfoque artístico por el que más tarde se hizo famoso.

Poseía una sensibilidad pictórica para el color y, al igual que Haas, coqueteaba con lo abstracto, utilizando ángulos, compresión y, a menudo, fotografiando a través de ventanas cuyas superficies estaban invariablemente empañadas por el vapor, la lluvia o los reflejos. Sin embargo, a diferencia del dinamismo inherente al Nueva York de Haas, Leiter buscaba escasos momentos de serenidad, un enfoque que reflejaba su propia reticencia, aunque pasarían décadas antes de que obtuviera el reconocimiento que tan merecidamente le correspondía.

Es William Eggleston, quien es ampliamente considerado como la figura más importante en la fotografía en color. Considerado el padre de lo que ahora se conoce como la movimiento de color estadounidense, Sus contribuciones a la aceptación de este estilo son incalculables, aunque, sin su amigo y contemporáneo menos conocido, William Christenberry, la historia podría haber sido muy diferente.

Desde mediados de la década de 1950, Christenberry utilizó su cámara de caja Kodak Brownie para capturar imágenes vernáculas, y a menudo inquietantes, de los paisajes y las estructuras en ruinas de su estado natal de Alabama, prestando atención a la forma y el color, influenciado por su formación multidisciplinaria.

A principios de la década de 1960, conoció a Eggleston, también del sur de Estados Unidos, y enseguida entablaron una estrecha amistad. Por aquel entonces, Eggleston trabajaba exclusivamente en blanco y negro, inspirado por los grandes humanistas Robert Frank y Henri Cartier-Bresson, así como por las imágenes vernáculas de la época de la Gran Depresión de Walker Evans. Sin embargo, a mediados de la década de 1960, y en gran medida gracias a la influencia de Christenberry, comenzó a experimentar con el color, una decisión que transformaría el medio para siempre.

Su estado natal de Tennessee (donde reside hasta el día de hoy) fue, casi exclusivamente, el centro de su atención, aunque, a pesar de su evidente conexión con la zona, su enfoque evitó deliberadamente la narrativa.

William Eggleston poseía la extraordinaria habilidad de transformar lo aparentemente mundano —una mesa vacía en un restaurante; una bicicleta oxidada abandonada en una acera— en instantáneas encantadoras y, a veces, surrealistas de la vida suburbana en rápida modernización en el sur profundo.

A principios de los años 70, comenzó a experimentar con la impresión por transferencia de tinte, un proceso que permitía al usuario controlar la luminosidad del color. Esto le permitió a Eggleston realzar los tonos ya saturados que impregnaban sus imágenes, haciéndolas aún más impactantes. Su obra de 1973, que representa una bombilla solitaria contra un techo rojo sangre, fue su primera creación con este proceso y es, sin duda, una de las más icónicas, impregnada de una palpable sensación de presagio que personifica su singular talento.

Simultáneamente, un grupo de fotógrafos de pensamiento libre exploraba el color, y aunque quizás Eggleston los influyó y les inspiró, fueron figuras clave en el movimiento del color por derecho propio.

Stephen Shore es un ejemplo notable, sus retratos de la vida cotidiana en los años 70 en Estados Unidos capturaron el espíritu de la época. Del mismo modo, Joel Meyerowitz, quien capturó la exquisita y siempre cambiante tez de Cape Cod, Massachusetts, en una serie de retratos que se publicaron en el fotolibro Luz del Cabo En 1979, considerada hoy una de las más influyentes del siglo XX.

Otra figura clave del movimiento del color estadounidense fue Helen LevittSus retratos sinceros del Nueva York de los años setenta capturan las complejidades de la vida cotidiana y demuestran un dominio del color que rivaliza con el de sus contemporáneos masculinos más famosos.

A principios de la década de 1980, el dominio del monocromo había disminuido y surgió una nueva ola de influyentes fotógrafos en color, en particular Joel Sternfeld y Martin Parr.

Hoy en día, el predominio de la fotografía en color es tal que resulta difícil imaginar este medio sin ella. Su innegable poder quizás se expresa con mayor eficacia en las palabras de uno de sus primeros defensores, Ernst Haas:

“El color es alegría. Uno no piensa en la alegría. Uno se deja llevar por ella”.

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