Editorial Una breve historia de la fotografía en color

Desde los inicios del medio, los fotógrafos han anhelado colorear sus imágenes monocromas, siendo la pintura a mano de fotografías impresas un método ampliamente utilizado durante el siglo XIX.

La invención de la fotografía en color ha sido un tema muy debatido, con Levi Hill, un pastor bautista estadounidense, afirmando haber inventado un método ya en 1851.

Otros consideran que la representación de una cinta de tartán tomada unos diez años más tarde es el prototipo. Capturado por Thomas Sutton (el inventor de la cámara réflex de un solo objetivo), utilizó un método de color aditivo inventado por el físico matemático escocés James Clerk Maxwell, mientras que también fue en esta época cuando el inventor Louis Arthur Ducos du Hauron estaba formulando una técnica similar. , basada en la teoría de los tres colores que sigue siendo el núcleo de la impresión actual.

Su método involucró los filtros de vidrio recubiertos de granos teñidos de almidón de papa, y formaría las bases para desarrollos posteriores, incluido el Autocromo, presentado en 1907 por los hermanos franceses Auguste y Louis Lumière, los inventores del Cinématographe. los Autocromo El proceso permitió la captura de imágenes a todo color con un realismo que superó al de sus predecesores, y rápidamente se convirtió en la forma dominante de fotografía en color. Sin embargo, era lento y engorroso, requiriendo exposiciones prolongadas que imposibilitaban la captura de imágenes en movimiento.

En 1936, Kodak revolucionó la fotografía en color con el lanzamiento de su ahora legendario Kodachrome. Una película de inversión de color, permitió la captura de imágenes muy detalladas en cromaticidad completa y expresiva, lo que la hizo extremadamente popular entre los fotógrafos comerciales en la segunda mitad del siglo XX. Sin embargo, los proveedores de estilos más `` serios '', como el fotoperiodismo, continuarían rechazando en gran medida el encanto de las imágenes en color, considerándolas ostentosas, carentes de autenticidad y como un obstáculo en su batalla en curso para que su medio sea considerado un genuino. forma de arte.

Una excepción fue austriaca Ernst Haas, quien, aunque no siempre fue reconocido como tal, estuvo a la vanguardia del movimiento de color temprano y ayudó a sentar las bases para quienes lo siguieron. Inicialmente trabajando exclusivamente en blanco y negro, su incursión en la imaginería cromática comenzó con la compra de su primera Leica, poco después de su inauguración en la Agencia Magnum en 1949.

Fotógrafo polifacético, sus trabajos atravesó tanto el comercial (fue el primero en fotografiar al 'Hombre Malboro') como el fotoperiodismo, aunque está en su street photography donde su uso del color es más profundo. Imágenes de una Ciudad Mágica, una serie de fotografías en color de Nueva York, es un excelente ejemplo de su virtuosismo. Su uso de ángulos inusuales, velocidad de obturación lenta y reflejos, le da un retrato parcialmente abstracto, lavado en sepia de la ciudad que luego se convertiría en su hogar, y refleja la personalidad de espíritu libre de Haas, al tiempo que muestra las capacidades artísticas del medio. .

Saul Leiter, contemporáneo de Haas, fue otro importante colorista temprano, sus representaciones de las calles que rodean su casa en Manhattan durante los años 50 y 60 son verdaderamente extraordinarias y ejemplifican el enfoque artístico por el que más tarde se hizo famoso.

Poseía un ojo de pintor para el color y, como Haas, coqueteaba con lo abstracto, usando ángulos, compresión y, a menudo, disparando a través de ventanas cuyas superficies estaban invariablemente vidriadas por el vapor, la lluvia o los reflejos. Sin embargo, en contraste con el dinamismo inherente a la Nueva York de Haas, Leiter buscó raros momentos de serenidad, un enfoque que reflejaba su propia reticencia, aunque pasarían décadas antes de que obtuviera el reconocimiento que tanto merecía.

Es Guillermo Eggleston, quien es ampliamente considerado como la figura más importante de la fotografía en color. Considerado el padre de lo que ahora se conoce como el Movimiento de color americano, sus contribuciones a la aceptación del estilo no pueden ser exageradas, aunque, sin su amigo menos conocido y contemporáneo William Christenberry, la historia puede haber sido muy diferente.

Desde mediados de la década de 1950, Christenberry usó su cámara de caja Kodak Brownie para capturar imágenes vernáculas y, a menudo, inquietantes de los paisajes y estructuras en ruinas de su estado natal de Alabama, con consideración por la forma y el color informados por su experiencia multidisciplinaria.

Conoció a su compañero sureño Eggleston a principios de la década de 1960 y rápidamente se hicieron amigos cercanos. En ese momento, Eggleston trabajaba exclusivamente en blanco y negro, inspirado por los grandes humanistas Robert Frank y Henri Cartier Bresson, así como por las imágenes vernáculas de la era de la depresión de Walker Evans. Pero, a mediados de la década de 1960, y debido en gran parte a la influencia de Christenberry, comenzó a experimentar con el color, una decisión que cambiaría el medio para siempre.

Su estado natal de Tennessee (donde permanece hasta el día de hoy) fue, casi exclusivamente, su enfoque, aunque, a pesar de su obvia conexión con el área, su enfoque evitó deliberadamente la narrativa.

William Eggleston poseía la extraordinaria capacidad de transformar lo aparentemente mundano: una mesa vacía en un restaurante; una bicicleta oxidada tirada en una acera; en instantáneas encantadoras y, a veces surrealistas, teñidas de la vida suburbana en rápida modernización en el sur profundo.

A principios de la década de 70, comenzó a experimentar con la impresión por transferencia de tinte, un proceso que permitía al usuario controlar la luminosidad del color. Esto permitió a Eggleston realzar los tonos ya saturados que impregnaron sus imágenes, haciéndolas aún más llamativas; Su representación de 1973 de una bombilla solitaria contra un techo rojo sangre fue su primera creación utilizando el proceso, y es sin duda una de las más icónicas, impregnada de una sensación palpable de presentimiento que personifica su talento anómalo.

Simultáneamente, un grupo de fotógrafos de pensamiento libre exploraba el color y, aunque quizás ambos fueron influenciados y envalentonados por Eggleston, eran figuras clave en el movimiento del color por derecho propio.

Esteban orilla Es un ejemplo notable, sus descripciones de la vida cotidiana en los Estados Unidos de los 70 capturaron el espíritu de la época de la época. Asimismo, Joel Meyrowtiz, quien capturó la tez exquisita y siempre cambiante de Cape Cod, Massachusetts, en una serie de retratos que se publicaron en el fotolibro Cabo de luz en 1979, ahora considerado como uno de los más influyentes del siglo XX.

Otra figura clave del movimiento del color estadounidense fue helen levitt: sus cándidas representaciones de la Nueva York de los setenta, capturan las complejidades de la vida diaria y muestran una comprensión del color que rivaliza con la de sus contemporáneos masculinos más famosos.

A principios de la década de 1980, el dominio del monocromo había disminuido y surgió una nueva ola de fotógrafos de color influyentes, en particular Joel Sternfeld y Martin Parr.

Hoy en día, el predominio de la fotografía en color es tal que es difícil imaginar el medio sin ella. Su innegable poder quizás lo exprese con mayor eficacia uno de sus primeros campeones, Ernst Haas:

“El color es alegría. No se piensa en la alegría. Uno se deja llevar ”.

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