Entrevista Cody Cobb

El fotógrafo Cody Cobb, afincado en Seattle, ha aparecido en numerosos blogs y sitios web de fotografía, pero creemos que su trabajo es mucho más que simple relleno para tu feed de Instagram.

Los paisajes, en sí mismos, resultan inmensos cuando uno los contempla en plena naturaleza. Supongo que mucha gente descubre tu trabajo a través de tu página web o Instagram, lo que hace que esta enorme agrupación de elementos naturales en una imagen sea más pequeña que la mayoría de las postales. ¿Te causa algún problema o te beneficia de alguna manera específica, aparte de llegar a un público más amplio?

Cody Cobb: Es algo en lo que he estado pensando últimamente. Es extraño pensar en estos lugares inmensos reducidos a ese tamaño y que aún conserven cierta carga emocional. Creo que las composiciones y los colores que encuentro suelen ser lo suficientemente impactantes como para captar la atención de alguien en un tamaño tan pequeño, pero me frustra que la gente no pueda detenerse en ellos.

Dicho esto, agradezco que estas plataformas en línea hayan permitido que mi trabajo sea visto por tanta gente. Me pregunto qué encuentran los demás en mis fotos al verlas de esta manera. ¿Les atraen por razones puramente estéticas o sienten algo al mirarlas? No quiero que mis fotos se conviertan en material para viajes, pero eso escapa a mi control una vez que las comparto en línea y fuera de contexto.

– ¿Qué opinas del uso específico de Instagram? Parece que todo el mundo, fotógrafo o no, lo usa ahora y es una herramienta para llegar a un gran público, pero ¿te aporta algo (positivo o negativo) más allá de compartir tu trabajo?

Cody Cobb: Me resistí a usar Instagram durante cinco o seis años porque no usaba el móvil para sacar fotos. No me di cuenta de que la gente lo usaba para compartir su trabajo hasta hace unos años, pero eso casi me parecía un mal uso de la plataforma. La verdad es que solo empecé a usarlo cuando me di cuenta de que no tenía muchas opciones para dar a conocer mis imágenes. Preferiría desaparecer y publicar un libro cada doce meses, pero cedí a la presión de compartir un flujo constante de trabajo.

Uno de mis mayores retos ha sido resistir la tentación de depender de la opinión pública para aumentar mi autoestima. Suelo notar que mis imágenes favoritas, y generalmente más sutiles, tienen peor rendimiento que las más evidentes. Una foto en Instagram necesita captar la atención de alguien en cuestión de segundos o simplemente se pierde entre el ruido de fondo. Debo tener cuidado de que esto no influya en mis fotografías. Otro posible problema es que estoy exponiendo zonas bastante sensibles al mundo. Dejé de compartir la ubicación de la mayoría de ellas, pero temo que personas irresponsables e irrespetuosas puedan buscarlas. Me horroriza pensar en lo que podría suceder con estos paisajes especiales y desprotegidos.

En una entrevista anterior, usted comentó que esperaba que su trabajo de paisajes fuera “austero y honesto”. ¿Cómo se puede ser honesto en una fotografía? ¿De qué manera, específicamente en la fotografía de paisajes, observa que las personas actúan con deshonestidad en su trabajo?

Cody Cobb: La honestidad es una palabra con muchas connotaciones, ahora que lo pienso bien. Simplemente quiero que mis fotos muestren la Tierra tal como era cuando la viví. La honestidad es un valor vago que intento conservar, pero es muy fácil perderlo en cada paso del proceso fotográfico, desde mi observación inicial hasta la impresión de la imagen. Aspectos como el color, que son una parte tan importante de mi trabajo, pueden distorsionarse. Quiero que coincida con lo que tengo en mente a partir de lo que recuerdo, pero el cerebro humano es bastante inconsistente al recrear esos recuerdos lejanos. ¿Quizás sea imposible ser completamente honesto con la fotografía? Desde luego, no creo estar en posición de decir que los paisajes de otros fotógrafos son deshonestos.

– ¿Cuál es el mayor desafío al que te enfrentas como fotógrafo hoy en día?

CC: Me ha costado encontrar una voz propia como fotógrafo de paisajes, un género que está sobresaturado. También me cuesta encontrar un lugar para mi trabajo en el mundo de las bellas artes. En cierto modo, siento que me he topado con una barrera, así que estoy intentando superarla asistiendo a revisiones de portafolios y participando en convocatorias abiertas. Por suerte, nunca he estado tan motivado para salir a hacer fotos.

Hasta ahora, todavía no he podido dedicarme por completo a la fotografía. Trabajo como diseñador para ahorrar lo suficiente y poder tomarme el tiempo libre necesario para disfrutar de la naturaleza. Encontrar ese equilibrio ha sido un gran reto y, aunque mi trabajo de diseño es fundamental, a veces me distrae de la fotografía.

He visto paisajes de otros fotógrafos que transmiten una sensación de soledad, pero creo que la palabra “soledad” describe mejor tu trabajo. Cuando sales a fotografiar en la naturaleza, ¿tienes algún ritual que te ayude a encontrar composiciones tan apacibles y a evitar que las imágenes parezcan demasiado vacías?

CC: Soledad es una palabra genial, ¡gracias! Con mi fotografía intento capturar tanto el mundo interior como el exterior. Creo que estar a solas es fundamental en mi proceso, ya que me permite ser lo suficientemente sensible como para percibir tanto el lugar como las emociones. Caminar sola durante horas se convierte en un ritual en sí mismo. Siento que, una vez que me quedo sin cosas en qué pensar, estoy más abierta a observar las sutilezas de mi entorno.

– ¿De la obra de qué fotógrafo o pintor has aprendido más sobre composición?

CC: Richard Misrach es el fotógrafo que más me ha influenciado, tanto que tengo que resistir la tentación de mirar su obra durante mucho tiempo. Sus paisajes realmente me transmiten algo. No sé si lo consigue mediante su técnica, pero sus fotos tienen algo más que una simple representación de un lugar.

En cuanto a la composición, es como si fotografiara estos lugares tal como los percibe por primera vez. Ese ha sido mi enfoque de la composición: dejar que el impacto inicial de un entorno guíe mi forma de capturarlo, aunque tiendo a centrar demasiado el sujeto para resaltar lo obvio.

—Anteriormente dijiste que dos de tus mayores inspiraciones son “los pintores del siglo XIX y la sensibilidad del movimiento de la Nueva Topografía”. Luego añades que estos dos grupos de creadores de imágenes se oponen entre sí. ¿Qué has aprendido específicamente de cada una de estas mentalidades aparentemente opuestas y cómo se fusionan en tu obra, en lugar de chocar? ¿O chocan, y ese es precisamente tu objetivo?

CC: Creo que en mi trabajo se produce un choque entre esos dos conceptos, porque mi propia interpretación de la naturaleza está en constante evolución. Me resulta fácil idealizar la naturaleza, colocándola en un pedestal, separándola del ser humano. En otras ocasiones, esa dicotomía se disuelve a medida que se difuminan los límites entre lo natural y lo artificial. Creo que los fotógrafos del Nuevo Topográfico capturaron ese concepto a la perfección al documentar la banalidad del inicio del Antropoceno. Creo que me inspiro más en el Nuevo Topográfico en cuanto a composición y un humor sutil en ocasiones. El dramatismo contenido en la forma en que los pintores románticos representaban la luz es lo que influye en mi uso del color.

Viajas a zonas, sobre todo en el oeste de Estados Unidos, muy conocidas por la fotografía de paisajes. Mi pregunta es doble: 1) ¿Sientes la necesidad de ir a estos lugares, de integrarte en una tradición? y 2) ¿Qué tienes que decir a principios del siglo XXI que otros no hayan dicho antes?

CC: Sin duda me atraen los grandes destinos como Yosemite y Canyonlands, pero suelo pasar la mayor parte del tiempo en los lugares intermedios. Muchas de las formaciones y paisajes que fotografío no tienen nombre o son desconocidos, así que, en cierto modo, intento encontrar algo místico en lo cotidiano. Me gusta el reto de descubrir algo nuevo en lugares tan explorados. Creo que cada vez es más difícil encontrar soledad a principios del siglo XXI. Quizás mis fotos sean parte de la última evidencia de estos lugares vacíos y aparentemente intactos.

—Por último, me encantaría escuchar alguna anécdota sobre alguno de tus viajes; seguro que tienes muchas. ¿Tienes alguna que nos revele algo sobre los paisajes que fotografías?

CC: Hay una foto en mi serie “Oeste” que captura un momento de profunda ansiedad cuando me sorprendió una tormenta eléctrica sin refugio. Es la imagen de las nubes formando una oscura viñeta alrededor de una luz menguante en el horizonte y la nieve cubriendo el vasto desierto entre ellas. Sentí verdadero miedo mientras estaba de pie en medio de esa llanura. Sinceramente, pensé en arrastrarme de vuelta al inicio del sendero para no atraer la atención de un dios del cielo enfadado.

Todas las imágenes © Cody Cobb