Éditorial Bref historique de la photographie couleur

Depuis l'apparition de ce médium, les photographes ont aspiré à coloriser leurs images monochromes, la peinture à la main des photographies imprimées étant une méthode largement utilisée au XIXe siècle.

L'invention de la photographie couleur a fait l'objet de nombreux débats, Levi Hill, un pasteur baptiste américain, affirmant avoir inventé une méthode dès 1851.

D'autres considèrent la représentation d'un ruban tartan, prise une dizaine d'années plus tard, comme le prototype. Capturée par Thomas Sutton (l'inventeur de l'appareil photo reflex mono-objectif), elle utilisa une méthode de synthèse additive des couleurs inventée par le physicien mathématicien écossais James Clerk Maxwell. C'est également à cette époque que l'inventeur Louis Arthur Ducos du Hauron mettait au point une technique similaire, basée sur la théorie des trois couleurs qui demeure au cœur de l'imprimerie actuelle.

Sa méthode consistait à utiliser des filtres en verre recouverts de grains d'amidon de pomme de terre teintés, et allait constituer la base de développements ultérieurs, notamment le Autochrome, dévoilé en 1907 par les frères français Auguste et Louis Lumière, inventeurs du Cinématographe. Autochrome Ce procédé permettait de capturer des images en couleur d'un réalisme supérieur à celui des techniques précédentes et s'imposa rapidement comme la forme dominante de la photographie couleur. Cependant, il était lent et complexe, nécessitant de longs temps de pose qui rendaient impossible la capture d'images en mouvement.

En 1936, Kodak révolutionna la photographie couleur avec la sortie de son désormais légendaire Kodachrome. Ce film inversible permettait de capturer des images d'une grande précision, dans une chromaticité riche et expressive, ce qui le rendit extrêmement populaire auprès des photographes professionnels durant la seconde moitié du XXe siècle. Cependant, les tenants de styles plus ‘ sérieux ’, comme le photojournalisme, continuèrent pour la plupart de rejeter l'attrait de l'image couleur, la jugeant ostentatoire, dénuée d'authenticité et un obstacle à leur combat pour la reconnaissance de leur médium comme une forme d'art à part entière.

Une exception notable était l'Autriche. Ernst Haas, qui, bien que n'étant pas toujours reconnu comme tel, était à l'avant-garde du mouvement de la couleur à ses débuts et a contribué à jeter les bases pour ceux qui ont suivi. Travaillant initialement exclusivement en noir et blanc, son incursion dans l'imagerie chromatique a commencé avec l'achat de son premier Leica, peu après son entrée dans l'agence Magnum en 1949.

Photographe aux multiples talents, son travail a embrassé à la fois la photographie commerciale (il a été le premier à photographier l'‘ homme Malboro ’) et le photojournalisme, bien que ce soit dans sa photographie de rue que son utilisation de la couleur soit la plus profonde. Images d'une ville magique, Une série de photographies en couleur de New York illustre parfaitement sa virtuosité. L'utilisation d'angles inhabituels, d'une vitesse d'obturation lente et de reflets crée un portrait partiellement abstrait, aux teintes sépia, de la ville qui deviendra plus tard sa demeure. Ce portrait reflète la personnalité libre de Haas, tout en démontrant les possibilités artistiques du médium.

Saul Leiter, contemporain de Haas, fut un autre coloriste important des débuts de l'art ; ses représentations des rues entourant son domicile de Manhattan dans les années 50 et 60 sont véritablement extraordinaires et illustrent l'approche artistique qui fera plus tard sa renommée.

Il possédait un œil de peintre pour la couleur et, comme Haas, flirtait avec l'abstraction, jouant avec les angles, la compression et photographiant souvent à travers des fenêtres dont les surfaces étaient invariablement embuées, ruisselantes de pluie ou couvertes de reflets. Cependant, contrairement au dynamisme inhérent au New York de Haas, Leiter recherchait de rares moments de sérénité, une approche qui reflétait sa propre réserve, même s'il lui faudrait des décennies avant d'obtenir la reconnaissance qu'il méritait amplement.

C'est William Eggleston, largement considéré comme la figure la plus importante de la photographie couleur. Considéré comme le père de ce que l'on appelle aujourd'hui la Mouvement de couleur américain, On ne saurait surestimer sa contribution à l'acceptation de ce style ; cependant, sans son ami et contemporain moins connu, William Christenberry, l'histoire aurait pu être très différente.

À partir du milieu des années 1950, Christenberry a utilisé son appareil photo Kodak Brownie pour capturer des images vernaculaires, et souvent obsédantes, des paysages et des structures délabrées de son État natal, l'Alabama, avec une attention portée à la forme et à la couleur, éclairée par sa formation multidisciplinaire.

Il rencontra Eggleston, lui aussi originaire du Sud, au début des années 1960, et les deux hommes devinrent rapidement amis. À cette époque, Eggleston travaillait exclusivement en noir et blanc, inspiré par les grands humanistes Robert Frank et Henri Cartier-Bresson, ainsi que par les images vernaculaires de Walker Evans, empreintes de la Grande Dépression. Mais, au milieu des années 1960, et en grande partie grâce à l'influence de Christenberry, il commença à expérimenter la couleur, une décision qui allait révolutionner la photographie.

Son État natal, le Tennessee (où il réside encore aujourd'hui), était presque exclusivement au centre de son attention, même si, malgré son lien évident avec la région, son approche évitait délibérément tout récit.

William Eggleston possédait le don extraordinaire de transformer le plus banal des sujets : une table vide dans un restaurant, un vélo rouillé abandonné sur un trottoir, en instantanés enchanteurs et parfois surréalistes de la vie suburbaine en pleine modernisation dans le sud profond.

Au début des années 70, il commença à expérimenter l'impression par transfert de colorants, un procédé permettant de contrôler la luminosité des couleurs. Cela permit à Eggleston d'intensifier les tons déjà saturés de ses images, les rendant ainsi encore plus saisissantes. Sa représentation, en 1973, d'une ampoule solitaire se détachant sur un plafond rouge sang fut sa première création réalisée avec ce procédé et demeure sans aucun doute l'une de ses plus emblématiques, imprégnée d'un sentiment de pressentiment palpable qui caractérise son talent hors du commun.

Parallèlement, un groupe de photographes libres penseurs explorait lui-même la couleur, et bien qu'ils aient peut-être été influencés et encouragés par Eggleston, ils étaient des figures clés du mouvement de la couleur à part entière.

Stephen Shore Il en est un exemple remarquable : ses représentations de la vie ordinaire dans l’Amérique des années 70 ont su capturer l’esprit de l’époque. De même, Joel Meyerowitz, qui a immortalisé le caractère exquis et sans cesse changeant de Cape Cod, dans le Massachusetts, dans une série de portraits publiés dans le livre photo Cape Light en 1979, aujourd'hui considérée comme l'une des plus influentes du XXe siècle.

Une autre figure clé du mouvement américain de la couleur était Helen LevittSes représentations franches du New York des années 1970 saisissent les subtilités de la vie quotidienne et témoignent d'une maîtrise des couleurs qui rivalise avec celle de ses contemporains masculins plus célèbres.

Au tournant des années 1980, la domination du monochrome s'est estompée et une nouvelle vague de photographes couleur influents a émergé, notamment Joel Sternfeld et Martin Parr.

Aujourd'hui, la photographie couleur domine tellement qu'il est difficile d'imaginer ce médium sans elle. Son pouvoir indéniable est peut-être exprimé le plus efficacement par l'un de ses premiers défenseurs, Ernst Haas :

“ La couleur, c'est la joie. On ne pense pas à la joie, on est emporté par elle. ”.

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