Que ce soit sur scène, dans la fosse ou dans les rues, l'intersection où la musique et la photographie se rencontrent a fait de la photographie musicale l'un des genres de photographie les plus dynamiques et visuellement intrigants.
Comment capturer la crudité d'un son qui résonne des amplis? Cela a été la quête des photographes musicaux des débuts du punk et du hip hop à des clichés plus emblématiques de stars du rock et de la pop des années 60 et 70. Capturer un son est impossible, mais capturer une sensation est une autre histoire…
Lorsqu'on parle de photographie musicale, il faut également tenir compte des identités sous-culturelles et de leurs signifiants visuels. Quand quelqu'un dit «métal», peu de choses viennent à l'esprit presque instantanément. Bien sûr, il y a la musique, mais il y a aussi les vêtements, les pantalons bouffants noirs et les sweats à capuche, les cheveux longs, la barbe et les piercings. On peut en dire autant du hip hop, du punk, du grunge et à peu près tous les autres genres musicaux.
Les identités que les gens se créent, qui, au moins à la fin du XXe siècle, s'alignent sur la musique, ont fait l'objet de nombreux photographes. Derek Ridges, qui a pris des photos de tout le monde, de James Brown à Nick Cave, s'est fait un nom avec son projet fondateur «Skinheads» qui se concentrait sur le culte de la jeunesse controversé des premières années Thatcher en Grande-Bretagne à la fin des années 70 et au début des années 80.
Ses images frappantes des jeunes tatoués et au crâne rasé qui ont suivi la musique punk et hardcore parlent de rébellion, mais ont aussi des nuances subtilement politiques. Son travail marque un moment important dans l'histoire britannique moderne et examine les complexités de l'austérité sous Thatcher du point de vue de la jeunesse désaffectée. Son travail a ensuite été reconnu par Morrissey et utilisé pour promouvoir le Votre visite d'Arsenal.
De même, Graeme Oxby a retracé l'obsession du monde pour Elvis et les efforts des fans pour se rapprocher de leurs idoles. Son projet Les rois d'Angleterre suit les imitateurs d'Elvis alors qu'ils vivent la monotonie de leur vie quotidienne avec l'aide du roi.
Le travail d'Oxby est une exploration ironique de ces superfans d'Elvis alors qu'ils se disputent du travail, se produisent dans leurs villes locales et chantent dans leurs chambres. En se concentrant non pas sur les artistes eux-mêmes, mais sur les fans et leurs relations avec le musicien, on peut glaner l'impact culturel que la musique a eu sur des décennies de People.
À l'autre bout du monde, l'œuvre du photographe malien Malick Sidibé a capturé le zeitgeist euphorique qui saisissait Bamako dans les années 1960 alors que la domination coloniale française prenait fin au Mali. Alors que la nation subissait de profonds changements, les jeunes ont naturellement réagi à cela, se libérant de leurs chaînes en adoptant la musique et la mode comme moyens d'expression.
Revendications de Sidibé «Nous entrions dans une nouvelle ère et les gens voulaient danser. La musique nous a libérés. Soudain, les jeunes hommes pouvaient s'approcher des jeunes femmes, les tenir entre leurs mains. Avant, ce n'était pas autorisé. Et tout le monde voulait être photographié en train de danser de près. Sa photo emblématique d'un couple dansant dans un club le soir du Nouvel An en 1963 est un moment parfait de pure extase où l'on peut presque entendre la musique.
Larry Towell, multi-instrumentiste, musicien et associé Magnum a parlé de la façon dont la musique inspire son travail, mais aussi des contrastes entre les deux médiums: «La photographie est illustrative; vous êtes témoin lorsque vous photographiez. Alors qu'en tant que parolier, vous dépendez de votre imagination. Ils s'opposent. Mais je ne suis pas du tout un bon musicien. Je suis un conteur et mon expérience de photojournaliste me donne beaucoup de matière.
Notant les différences évidentes entre la nature expressive et factuelle des deux médiums, respectivement, le travail photographique de Towell, qui est souvent publié avec des enregistrements d'accompagnement, illustre son expérience de première main de certains événements ainsi que ses sentiments envers les choses dont il a été témoin.
«Je fais beaucoup d'achats par curiosité. Je l'achète si j'aime la pochette de l'album, je l'achète si j'aime le nom du groupe, tout ce qui éveille mon imagination. Bruce Springsteen
De plus, la synergie créative entre la photographie et la musique a toujours été un élément important de la conception des albums. De nombreux photographes de renommée internationale sont à l'origine de certains des albums les plus emblématiques de l'histoire de la musique, des images qui restent dans la mémoire collective de la société.
De quatre hommes à un passage clouté, à un moine bouddhiste en flammes, la fermeture éclair sur une paire de jeans skinny bleus, un homme brûlant serrant la main d'un autre homme - seuls quelques exemples de la représentation visuelle accordée aux vinyles noirs à l'intérieur desquels ont laissé des impressions profondes sur génération après génération de fans de musique.
Bien que le format de l'album ait changé depuis l'avènement de la musique numérisée et la croissance du streaming en ligne, et qu'il perd peut-être une partie de son importance en tant qu'œuvres d'art, la photographie et la musique continueront de se rebondir tant que les musiciens et les photographes continueront à l'apprécier le métier d'un autre. La plupart des pochettes d'albums les plus emblématiques d'aujourd'hui n'étaient pas des œuvres de commande, mais le résultat des musiciens eux-mêmes parcourant l'histoire visuelle.
Bien que la musique et les photographies existent pour parler d'elles-mêmes, elles s'influencent sans aucun doute grandement et se sont rencontrées de manière infinie.
À mesure que la musique elle-même change, les photographes ont des possibilités infinies de documenter ce paysage fluctuant, à la fois de manière expressive et journalistique.
Toutes les images © leurs propriétaires respectifs
