De la scène à la rue, la convergence de la musique et de la photographie a produit des images vraiment extraordinaires.
Comment capturer la crudité d’un son lorsqu’il résonne dans les amplis ? C'est la quête des photographes musicaux depuis des générations, depuis les clichés emblématiques des stars du rock et de la pop des années 60 et 70 jusqu'aux débuts du punk et du hip hop. Capturer un son est impossible, mais capturer une sensation est une autre histoire…
Lorsqu’on parle de photographie musicale, il faut également considérer les identités sous-culturelles et leurs significations visuelles. Quand quelqu’un parle de « métal », peu de choses lui viennent à l’esprit presque instantanément.
Bien sûr, il y a la musique, mais il y a aussi les vêtements, les pantalons bouffants noirs et les sweats à capuche, les cheveux longs, la barbe et les piercings. On peut en dire autant du hip-hop, du punk, du grunge et de presque tous les autres genres musicaux.
Les identités que les gens se créent, qui, au moins à la fin du XXe siècle, s'alignent sur la musique, ont fait l'objet de nombreux photographes. Derek Ridges, qui a pris des photos de tout le monde, de James Brown à Nick Cave, s'est fait un nom avec son projet fondateur «Skinheads» qui se concentrait sur le culte de la jeunesse controversé des premières années Thatcher en Grande-Bretagne à la fin des années 70 et au début des années 80.
Ses images saisissantes de jeunes tatoués et au crâne rasé qui ont suivi la musique punk et hardcore parlent de rébellion mais ont aussi des connotations subtilement politiques. Son travail marque une période importante de l’histoire britannique moderne et examine les complexités de l’austérité sous Thatcher du point de vue d’une jeunesse mécontente. Son travail fut plus tard reconnu par Morrissey et utilisé pour promouvoir le Votre visite d'Arsenal.
De même, Graeme Oxby a retracé l'obsession du monde pour Elvis et les efforts des fans pour se rapprocher de leurs idoles. Son projet Les rois d'Angleterre suit les imitateurs d'Elvis alors qu'ils vivent la monotonie de leur vie quotidienne avec l'aide du roi.
Le travail d'Oxby est une exploration ironique de ces superfans d'Elvis alors qu'ils se disputent du travail, se produisent dans leurs villes locales et chantent dans leurs chambres. En se concentrant non pas sur les artistes eux-mêmes, mais sur les fans et leurs relations avec le musicien, on peut glaner l'impact culturel que la musique a eu sur des décennies de People.
À l'autre bout du monde, l'œuvre du photographe malien Malick Sidibé a capturé le zeitgeist euphorique qui saisissait Bamako dans les années 1960 alors que la domination coloniale française prenait fin au Mali. Alors que la nation subissait de profonds changements, les jeunes ont naturellement réagi à cela, se libérant de leurs chaînes en adoptant la musique et la mode comme moyens d'expression.
Revendications de Sidibé «Nous entrions dans une nouvelle ère et les gens voulaient danser. La musique nous a libérés. Soudain, les jeunes hommes pouvaient s'approcher des jeunes femmes, les tenir entre leurs mains. Avant, ce n'était pas autorisé. Et tout le monde voulait être photographié en train de danser de près. Sa photo emblématique d'un couple dansant dans un club le soir du Nouvel An en 1963 est un moment parfait de pure extase où l'on peut presque entendre la musique.
À la même époque, Roy DeCarava documentait la vie dans sa bien-aimée New York, capturant des scènes quotidiennes dans les rues de la ville et, la nuit, tournant son attention vers les artistes de jazz qui enflammaient les clubs underground de la ville.
Transcrites dans son langage visuel poétique et moderniste, les images de DeCarava – publiées dans le livre photo « The Sound I Saw » – incarnent l'essence du sujet : spontanées, subjectives et captivantes.
«Je fais beaucoup d'achats par curiosité. Je l'achète si j'aime la pochette de l'album, je l'achète si j'aime le nom du groupe, tout ce qui éveille mon imagination. Bruce Springsteen
De plus, la synergie créative entre la photographie et la musique a toujours été un élément important de la conception des albums. De nombreux photographes de renommée internationale sont à l'origine de certains des albums les plus emblématiques de l'histoire de la musique, des images qui restent dans la mémoire collective de la société.
De quatre hommes à un passage clouté, à un moine bouddhiste en flammes, la fermeture éclair sur une paire de jeans skinny bleus, un homme brûlant serrant la main d'un autre homme - seuls quelques exemples de la représentation visuelle accordée aux vinyles noirs à l'intérieur desquels ont laissé des impressions profondes sur génération après génération de fans de musique.
Bien que le format de l'album ait changé depuis l'avènement de la musique numérisée et la croissance du streaming en ligne, et qu'il perd peut-être une partie de son importance en tant qu'œuvres d'art, la photographie et la musique continueront de se rebondir tant que les musiciens et les photographes continueront à l'apprécier le métier d'un autre. La plupart des pochettes d'albums les plus emblématiques d'aujourd'hui n'étaient pas des œuvres de commande, mais le résultat des musiciens eux-mêmes parcourant l'histoire visuelle.
Bien que la musique et les photographies existent pour parler d'elles-mêmes, elles s'influencent sans aucun doute grandement et se sont rencontrées de manière infinie. À mesure que la musique elle-même évolue, les photographes disposent de possibilités infinies pour documenter ce paysage fluctuant, à la fois de manière expressive et plus journalistique.
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