Profil Ruth Bernhard

Jugé “ Le plus grand photographe de nus ”  par son ami et contemporain Ansel Adams, Ruth Bernhard, réputée pour ses saisissantes compositions monochromes, Il fut l'un des photographes les plus importants du XXe siècle.

Né à Berlin en 1905, son père était un designer multidisciplinaire, surtout connu pour son travail graphique et typographique, ce qui lui a valu la renommée de ‘’ Le père de l'affiche allemande ». Bien qu'il n'ait pas toujours été présent durant sa jeunesse, il est resté une influence importante, et il n'est donc pas surprenant qu'elle ait choisi d'étudier la typographie et l'histoire de l'art à l'Académie des beaux-arts de Berlin en 1925.

Elle quitta son pays en 1927 pour rejoindre son père à New York, où il avait émigré quelques années auparavant. C'est là que naquit sa passion pour la photographie, en travaillant d'abord comme assistante de chambre noire dans le studio du célèbre photographe et cinéaste Ralph Steiner. Bien qu'elle n'y restât qu'un an, cette expérience l'incita à acheter son premier appareil photo, un 8x10, marquant ainsi le début d'une remarquable carrière qui allait durer sept décennies.

L'achat de l'appareil photo coïncida avec son installation à Manhattan, plus précisément à Greenwich Village, où elle s'intégra à la communauté artistique lesbienne (Bernhard eut des relations amoureuses avec des hommes et des femmes tout au long de sa vie). C'est là qu'elle commença à expérimenter la représentation du nu féminin, même s'il fallut attendre plusieurs années avant que ses œuvres ne soient publiées.

Sa percée majeure survint en 1930, sous la forme de Sauveteurs, une composition partiellement abstraite représentant de petits bonbons à la menthe circulaires roulant timidement sur une surface plane. Témoignant d'une certaine maîtrise de la lumière et des formes qui deviendra plus tard sa marque de fabrique, a attiré l'attention du Dr MF Agha, alors directeur artistique de Vogue, qui a organisé sa publication dans Publicité Art MagaUn fanzine a été publié un an plus tard. Cela a ensuite débouché sur de nombreuses missions similaires, principalement dans les domaines de la publicité et du design industriel.

Le printemps 1934 marqua un tournant important dans la carrière de Bernhard. Le Museum of Modern Art lui commanda une série de photographies. Art de la machine exposition pour le catalogue d'accompagnement (le premier catalogue d'exposition officiel jamais produit par le musée).

L'une des pièces exposées était un grand bol en métal, à l'intérieur duquel, afin de rendre l'objet plus saisissant, Bernhard avait immortalisé une de ses amies, nue et recroquevillée sur elle-même, représentant ainsi sa première représentation publiée du corps féminin nu.

Un an plus tard, elle s'installe en Californie où une rencontre fortuite avec Edward Weston va bouleverser sa carrière. Éblouie par la démarche artistique de ses confrères photographes, Bernhard prend alors conscience du véritable potentiel de ce médium. “ C'était un éclair dans l'obscurité. ” dit-elle. “ J’avais devant moi la preuve irréfutable de ce que j’avais cru possible : un artiste d’une vitalité intense dont le médium était la photographie. ” 

Les deux artistes nouèrent une amitié profonde et durable, durant laquelle Weston joua en quelque sorte le rôle de mentor auprès du jeune artiste. Leurs œuvres respectives sont empreintes d'un sens dramatique palpable, riches en symbolisme, flirtant parfois avec le surréalisme, et ils partageaient un goût prononcé pour la représentation du monde organique.

Weston a également immortalisé le nu, mais pas avec la même profusion que Bernhard, qui posait un regard empreint d'empathie sur ses sujets. Ses images sont empreintes de tendresse., Imprégnée d'érotisme sans être ouvertement sexuelle, en opposition à l'objectification généralisée des femmes dans l'art de l'époque, cette approche allait avoir une influence considérable sur le mouvement de la photographie féministe des années 1970.

Photographe de studio presque exclusivement, elle était patiente et d'une méticulosité extrême, passant souvent plusieurs jours à préparer une seule composition et photographiant invariablement sous un angle unique et réfléchi. Sa maîtrise de la lumière est remarquable ; elle confère à ses sujets (humains et inanimés) une délicate qualité sculpturale, révélant ainsi toute la beauté de leurs formes.

Malgré une reconnaissance considérable dans le milieu de la photographie, à l'instar de nombreuses femmes de sa génération, elle est restée relativement méconnue du grand public pendant une grande partie de sa carrière. Elle a tiré l'essentiel de ses revenus de commandes privées et, à partir du début des années 1960, de l'enseignement, aussi bien à titre privé que dans plusieurs universités prestigieuses.

Elle considérait ce travail comme plus important que sa photographie et, plutôt que de se concentrer sur les aspects techniques du médium, elle s'attachait à enseigner aux étudiants comment observer et exploiter le pouvoir de la lumière, des compétences qui rendaient son propre travail si exceptionnel.

Au tournant des années 1970, la popularité de la photographie dans son ensemble connut une croissance exponentielle et, par conséquent, l'œuvre de Bernhard commença enfin à recevoir la reconnaissance qu'elle méritait amplement. À la fin de la décennie, ses images furent intégrées aux collections permanentes des deux institutions suivantes : Musée d'art moderne de San Francisco et le Musée métropolitain d'art à New York, tandis que le premier portfolio de son travail, Lumière collectée a été publié en 1979.

En 1986 “Le Corps Éternel” Une monographie regroupant cinquante de ses nus a été publiée et a rencontré un vif succès, consacrant son statut de l'une des plus grandes photographes de nu de l'histoire. Elle est décédée en 2006, deux mois après son 101e anniversaire, laissant derrière elle une œuvre remarquable. que, continue encore aujourd'hui à ravir et à inspirer les téléspectateurs.

Toutes les images © Ruth Bernhard