Profil Ruth Bernard

Réputé «Le meilleur photographe de la forme nue»  par son amie et contemporaine Ansel Adams, Ruth Bernhard, réputée pour ses compositions monochromes saisissantes, était l'un des photographes les plus importants du XXe siècle.

Né à Berlin en 1905, son père était un designer multidisciplinaire, surtout connu pour son travail graphique et typographique, qui a conduit à sa renommée en tant que 'Le père de l'affiche allemande '. Bien que n'étant pas toujours présent au cours de sa jeunesse, il est resté une influence importante, et il n'est donc pas surprenant qu'elle ait choisi d'étudier la typographie et l'histoire de l'art à l'Académie des beaux-arts de Berlin en 1925.

Elle part en 1927, s'installant à New York pour rejoindre son père qui avait émigré quelques années auparavant. C'est ici que son intérêt actif pour la photographie a commencé, travaillant initialement comme assistante en chambre noire dans le studio du célèbre photographe et cinéaste Ralph Steiner. Même si elle y restera à peine un an, son expérience l'a incitée à acheter son premier appareil photo, un 8X10, marquant le début d'une remarquable carrière de sept décennies.

L'achat de la caméra a coïncidé avec son déménagement à Manhattan, en particulier à Greenwich Village, où elle a trouvé une place parmi la communauté artistique lesbienne (Bernhard a eu des relations amoureuses avec des hommes et des femmes tout au long de sa vie). C'est ici qu'elle a commencé à expérimenter la capture de la forme féminine nue, bien que cela prenne quelques années avant que de telles représentations ne soient publiées.

Sa percée majeure a eu lieu en 1930, sous la forme de Sauveteurs, une composition partiellement abstraite représentant de petites menthes circulaires roulant provisoirement sur une surface plane. Montrant une partie de la maîtrise de la lumière et de la forme dont elle deviendra plus tard synonyme, elle a attiré l'attention du Dr MF Agha, alors directeur artistique de Vogue, qui a organisé sa publication dans Publicité Art Magazine un an plus tard. Cela a conduit à son tour à de nombreuses missions similaires, principalement dans la publicité et le design industriel.

Le printemps 1934 marque un moment important dans la carrière de Bernhard. Elle a été chargée par le Museum of Modern Art de photographier Art de la machine exposition pour le catalogue d'accompagnement (le premier catalogue officiel d'exposition que le musée ait jamais produit).

L'une des pièces exposées était un grand bol en métal, à l'intérieur duquel, afin de rendre l'objet plus convaincant, Bernhard a capturé l'une de ses amies, recroquevillée nue, représentant sa première représentation publiée de la forme féminine nue.

Un an plus tard, elle a déménagé en Californie où une rencontre fortuite avec Edward Weston modifierait considérablement le cours de sa carrière. Stupéfait par la démarche artistique de ses collègues photographes, Bernhard, pour la première fois, a réalisé le véritable potentiel du médium. «C'était la foudre dans l'obscurité,» a-t-elle déclaré. «Ici, devant moi, il y avait une preuve incontestable de ce que j'avais pensé possible - un artiste extrêmement vital dont le médium était la photographie. 

Le couple formerait une amitié étroite et durable, au cours des premières étapes de laquelle, Weston a agi en quelque sorte comme un mentor pour le jeune artiste. L'imagerie des deux est imprégnée d'un sens palpable du drame, riche en symbolisme, qui flirte parfois avec le surréel, alors que les deux partagent également un penchant pour la représentation de l'organique.

Weston, a également capturé la forme nue, mais pas avec la même prolificité, que Bernhard, qui considérait les sujets avec un œil empathique. Les images sont tendres, imprégné d'érotisme mais pas ouvertement sexuel, en opposition à l'objectivation généralisée des femmes dans l'art à cette époque, et une approche qui serait extrêmement influente sur le mouvement photographique féministe des années 1970.

Elle était, presque exclusivement photographe de studio, patiente et très méticuleuse dans sa démarche, passant souvent plusieurs jours à monter une seule composition et à photographier invariablement sous un angle unique et réfléchi. Sa maîtrise de la lumière est remarquable, conférant à ses sujets (humains et inanimés) une délicate qualité sculpturale, afin d'afficher pleinement la beauté de leur forme.

Bien qu'elle ait recueilli des éloges importants dans les cercles de la photographie, tout comme beaucoup de ses contemporaines, elle est restée relativement inconnue du grand public pendant une grande partie de sa carrière. Elle a fait l'essentiel de son argent grâce à des commandes privées et, au tournant des années 1960, à l'enseignement, à la fois dans le privé et dans plusieurs universités prestigieuses.

Elle considérait ce travail comme d'une plus grande importance que sa photographie et, plutôt que les aspects techniques du médium, elle a concentré ses efforts sur l'enseignement aux étudiants comment observer et exploiter le pouvoir de la lumière, des compétences qui ont rendu son propre travail si exceptionnel. .

Au tournant des années 1970, la popularité de la photographie dans son ensemble avait commencé à augmenter de façon exponentielle et, par conséquent, le travail de Bernhard avait finalement commencé à recevoir la reconnaissance qu'elle méritait si profondément. À la fin de la décennie, ses images ont été incorporées dans les collections permanentes des deux Musée d'Art Moderne de San Francisco et par Metropolitan Museum of Art à New York, tandis que le premier portfolio de son travail, Lumière collectée a été publié en 1979.

En 1986 "Le corps éternel » une monographie englobant cinquante de ses nus a été publiée avec un grand succès, consolidant sa place comme l'un des meilleurs photographes de la forme nue dans l'histoire du médium. Elle est décédée en 2006, deux mois après son 101e anniversaire, laissant derrière elle un travail remarquable qui, à ce jour, continue de ravir et d'inspirer les téléspectateurs.

Toutes les images © Ruth Bernhard