Editoriale Breve storia della fotografia a colori

Dall'inizio del mezzo, i fotografi hanno desiderato colorare le loro immagini monocromatiche, con la pittura a mano di fotografie stampate un metodo ampiamente utilizzato durante il 19 ° secolo.

L'invenzione della fotografia a colori è stata un argomento molto dibattuto, con Levi Hill, un pastore battista americano, che ha affermato di aver inventato un metodo già nel 1851.

Altri considerano la raffigurazione di un nastro scozzese scattata circa dieci anni dopo, il prototipo. Catturato da Thomas Sutton (l'inventore della fotocamera reflex a obiettivo singolo) ha utilizzato un metodo di colore additivo inventato dal fisico matematico scozzese James Clerk Maxwell, mentre è stato anche in questo periodo che l'inventore Louis Arthur Ducos du Hauron stava formulando una tecnica simile , basato sulla teoria dei tre colori che rimane al centro della stampa oggi.

Il suo metodo prevedeva i filtri di vetro rivestiti di chicchi tinti di fecola di patate e avrebbe costituito le basi per i successivi sviluppi, tra cui il autocromo, inaugurato nel 1907 dai fratelli francesi Auguste e Louis Lumière, gli inventori del Cinématographe. Il autocromo Il processo ha consentito l'acquisizione di immagini colori con un realismo che ha superato quello dei suoi predecessori, diventando rapidamente la forma dominante della fotografia a colori. Tuttavia, era lento e macchinoso e richiedeva lunghe esposizioni che rendevano impossibile l'acquisizione di immagini in movimento

Nel 1936, Kodak ha rivoluzionato la fotografia a colori con il rilascio dell'ormai leggendario Kodachrome. Un film a inversione di colore, ha permesso di catturare immaginiltamente dettagliate nella piena, espressiva, cromaticità, rendendolo estremamente popolare tra i fotografi commerciali nella seconda metà del XX secolo. Tuttavia, i fornitori di stili più `` seri '', come il fotogiornalismo, continuerebbero in gran parte a rifiutare il fascino delle immagini colori, considerandolo ostentato, privo di autenticità e come un ostacolo nella loro battaglia in corso affinché il loro mezzo sia considerato un autentico forma d'arte.

Un'eccezione era austriaca Ernst Haas, che, sebbene non sempre riconosciuto come tale, è stato in prima linea nel primo movimento del colore e ha contribuito a gettare le basi per coloro che lo hanno seguito. Inizialmente lavorando esclusivamente in bianco e nero, la sua incursione nell'immaginario cromatico iniziò con l'acquisto della sua prima Leica, poco dopo la sua inaugurazione nell'agenzia Magnum nel 1949.

Un fotografo poliedrico, il suo lavoro ha attraversato sia commerciale (è stato il primo a fotografare il "Malboro Man") e fotogiornalismo, sebbene sia nella sua street photography dove il suo uso del colore è più profondo. Immagini di una città magica, una serie di foto a colori di New York, è un ottimo esempio del suo virtuosismo. Il suo uso di angoli insoliti, tempi di otturazione lenti e riflessi, danno un ritratto parzialmente astratto e seppia della città che in seguito sarebbe diventata la sua casa, e riflette la personalità di spirito libero di Haas, mostrando anche le capacità artistiche del mezzo .

Saul Leiter, un contemporaneo di Haas, è stato un altro importante colorista dei primi anni, i suoi ritratti delle strade che circondano la sua casa di Manhattan negli anni '50 e '60, sono davvero straordinari ed esemplificano l'approccio artistico per il quale è diventato in seguito famoso.

Possedeva l'occhio di un pittore per il colore e, come Haas, flirtava con l'astratto, usando angoli, compressione e, spesso, scattando attraverso finestre le cui superfici erano invariabilmente vetrate da vapore, pioggia o riflessi. Tuttavia, in contrasto con il dinamismo insito nella New York di Haas, Leiter ha cercato rari momenti di serenità, un approccio che rispecchiava la sua stessa reticenza, anche se sarebbero passati decenni prima che ottenesse il riconoscimento che meritava così tanto.

È William Eggleston, che è ampiamente considerato come la figura più importante nella fotografia a colori. Considerato il padre di quello che ora è conosciuto come il Movimento colore americano, il suo contributo all'accettazione dello stile non può essere sopravvalutato, anche se, senza il suo amico meno conosciuto e contemporaneo William Christenberry, la storia potrebbe essere stata molto diversa.

Dalla metà degli anni '1950, Christenberry ha utilizzato la sua macchina fotografica Kodak Brownie per catturare immagini vernacolari e spesso inquietanti dei paesaggi e delle strutture fatiscenti del suo stato natale dell'Alabama, con considerazione per la forma e il colore informati dal suo background multidisciplinare.

Ha incontrato il collega meridionale Eggleston nei primi anni '1960 e la coppia è diventata rapidamente amici intimi. All'epoca, Eggleston lavorava esclusivamente in bianco e nero, ispirato dai grandi umanisti Robert Frank e Henri Cartier Bresson, nonché dalle immagini vernacolari dell'era della depressione di Walker Evans. Ma, a metà degli anni '1960, e grazie soprattutto all'influenza di Christenberry, iniziò a sperimentare con il colore, una decisione che avrebbe cambiato per sempre il mezzo.

Il suo stato d'origine del Tennessee (dove rimane fino ad oggi) era, quasi esclusivamente, il suo obiettivo, sebbene, nonostante la sua ovvia connessione con l'area, il suo approccio evitasse deliberatamente la narrativa.

William Eggleston possedeva la straordinaria capacità di trasformare l'apparentemente banale: un tavolo vuoto in una tavola calda; una bicicletta arrugginita abbandonata su un marciapiede; in istantanee incantevoli e, a volte surreali, della vita suburbana in rapida modernizzazione nel profondo sud.

All'inizio degli anni '70, iniziò a sperimentare con la stampa a trasferimento di colore, un processo che consentiva all'utente il controllo sulla luminosità del colore. Ciò ha permesso a Eggleston di esaltare i toni già saturi che pervadevano le sue immagini, rendendole così ancora più suggestive; la sua rappresentazione del 1973 di una lampadina solitaria contro un soffitto rosso sangue è stata la sua prima creazione utilizzando il processo, ed è senza dubbio una delle sue più iconiche, permeata di un palpabile senso di presentimento che incarna il suo talento anomalo.

Allo stesso tempo, un gruppo di fotografi dal pensiero libero stava esplorando il colore, e sebbene forse fossero entrambi influenzati e incoraggiati da Eggleston, erano figure chiave nel movimento del colore a pieno titolo.

Stefano Shore è un esempio notevole, i suoi ritratti della vita ordinaria negli anni '70 in America hanno catturato lo zeitgeist del periodo. Allo stesso modo Joel Meyrowtiz, che ha catturato la squisita e mutevole carnagione di Cape Cod, nel Massachusetts, in una serie di ritratti che sono stati rilasciati nel photobook Luce del Capo nel 1979, oggi considerato uno dei più influenti del XX secolo.

Un'altra figura chiave del movimento dei colori americano era Elena Levitt: le sue candide raffigurazioni della New York degli anni '1970, catturano le complessità della vita quotidiana e mostrano una comprensione del colore che rivaleggia con quella dei suoi contemporanei maschi più famosi.

All'inizio degli anni '1980 il predominio della monocromia era svanito ed è emersa una nuova ondata di influenti fotografi a colori, in particolare Joel Sternfeld e Martin Parr.

Oggi il predominio della fotografia a colori è tale che è difficile immaginare il mezzo senza di esso. Il suo innegabile potere è forse articolato in modo più efficace da uno dei suoi primi campioni, Ernst Haas:

“Il colore è gioia. Non si pensa alla gioia. Uno è portato da esso ”.

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