Editoriale Breve storia della fotografia a colori

Fin dalla nascita del mezzo fotografico, i fotografi hanno desiderato colorare le loro immagini monocromatiche, e la colorazione a mano delle fotografie stampate è stata una tecnica ampiamente utilizzata durante il XIX secolo.

L'invenzione della fotografia a colori è stata oggetto di numerosi dibattiti, con Levi Hill, un pastore battista americano, che affermò di aver ideato un metodo già nel 1851.

Altri considerano la raffigurazione di un nastro scozzese, scattata circa dieci anni dopo, come il prototipo. Immortalata da Thomas Sutton (l'inventore della fotocamera reflex), l'immagine utilizzava un metodo di colorazione additiva inventato dal fisico matematico scozzese James Clerk Maxwell, mentre proprio in quel periodo l'inventore Louis Arthur Ducos du Hauron stava elaborando una tecnica simile, basata sulla teoria dei tre colori, che rimane tuttora alla base della stampa.

Il suo metodo prevedeva l'utilizzo di filtri di vetro rivestiti con grani di amido di patate colorati e avrebbe costituito le basi per gli sviluppi successivi, tra cui il Autochrome, presentato nel 1907 dai fratelli francesi Auguste e Louis Lumière, gli inventori del Cinématographe. Autochrome Questo processo consentiva di catturare immagini a colori con un realismo che superava quello dei suoi predecessori, e divenne rapidamente la forma dominante di fotografia a colori. Tuttavia, era lento e macchinoso, richiedendo lunghe esposizioni che rendevano impossibile la ripresa di immagini in movimento.

Nel 1936, Kodak rivoluzionò la fotografia a colori con il lancio della sua ormai leggendaria Kodachrome. Questa pellicola a inversione di colore consentiva di catturare immagini estremamente dettagliate con una cromaticità piena ed espressiva, diventando così molto popolare tra i fotografi commerciali nella seconda metà del XX secolo. Tuttavia, i sostenitori di stili più "seri", come il fotogiornalismo, continuarono in gran parte a rifiutare il fascino delle immagini a colori, considerandole ostentate, prive di autenticità e un ostacolo nella loro continua battaglia affinché il loro mezzo fosse riconosciuto come una vera forma d'arte.

Una eccezione fu l'austriaca Ernst Haas, che, pur non essendo sempre riconosciuta come tale, fu in prima linea nel primo movimento per i diritti dei neri e contribuì a gettare le basi per coloro che la seguirono. Inizialmente impegnato esclusivamente nel bianco e nero, il suo approccio alla fotografia a colori iniziò con l'acquisto della sua prima Leica, poco dopo il suo ingresso nell'agenzia Magnum nel 1949.

Fotografo poliedrico, il suo lavoro ha spaziato tra la fotografia commerciale (fu il primo a fotografare il "Malboro Man") e il fotogiornalismo, sebbene sia nella fotografia di strada che il suo uso del colore raggiunge la massima espressione. Immagini di una città magica, Una serie di fotografie a colori di New York è un eccellente esempio della sua maestria. L'uso di angolazioni insolite, tempi di posa lunghi e riflessi, crea un ritratto parzialmente astratto e dai toni seppia della città che sarebbe poi diventata la sua casa, rispecchiando la personalità dallo spirito libero di Haas e mettendo in mostra le potenzialità artistiche del mezzo.

Saul Leiter, contemporaneo di Haas, fu un altro importante colorista dei primi tempi; le sue raffigurazioni delle strade che circondavano la sua casa di Manhattan negli anni '50 e '60 sono davvero straordinarie ed esemplificano l'approccio artistico per il quale in seguito divenne famoso.

Possedeva un occhio da pittore per il colore e, come Haas, flirtava con l'astrazione, usando angolazioni, compressione e spesso scattando attraverso finestre le cui superfici erano invariabilmente appannate da vapore, pioggia o riflessi. Tuttavia, a differenza del dinamismo intrinseco alla New York di Haas, Leiter ricercava rari momenti di serenità, un approccio che rispecchiava la sua stessa reticenza, sebbene sarebbero passati decenni prima che ottenesse il riconoscimento che meritava pienamente.

È William Eggleston, che è ampiamente considerato la figura più importante nella fotografia a colori. Considerato il padre di quello che oggi è conosciuto come il Movimento americano per la diversità, Il suo contributo all'accettazione di questo stile è innegabile, sebbene, senza il suo amico e contemporaneo meno noto, William Christenberry, la storia avrebbe potuto avere un esito ben diverso.

Dalla metà degli anni '50, Christenberry utilizzò la sua macchina fotografica a scatola Kodak Brownie per immortalare immagini vernacolari, e spesso inquietanti, dei paesaggi e delle strutture fatiscenti del suo stato natale, l'Alabama, con una particolare attenzione alla forma e al colore, frutto della sua formazione multidisciplinare.

All'inizio degli anni Sessanta conobbe il suo conterraneo del Sud, Eggleston, e i due diventarono subito amici intimi. All'epoca, Eggleston lavorava esclusivamente in bianco e nero, ispirato dai grandi umanisti Robert Frank e Henri Cartier-Bresson, nonché dalle immagini vernacolari dell'epoca della Grande Depressione di Walker Evans. Ma, verso la metà degli anni Sessanta, e in gran parte grazie all'influenza di Christenberry, iniziò a sperimentare con il colore, una decisione che avrebbe cambiato per sempre il mezzo fotografico.

Il suo stato natale, il Tennessee (dove risiede tuttora), è stato quasi esclusivamente al centro della sua attenzione, sebbene, nonostante il suo evidente legame con la zona, il suo approccio abbia deliberatamente evitato la narrazione.

William Eggleston possedeva la straordinaria capacità di trasformare l'apparentemente banale – un tavolo vuoto in una tavola calda; una bicicletta arrugginita abbandonata su un marciapiede – in istantanee suggestive e, a tratti, surreali della vita suburbana in rapida modernizzazione nel profondo sud degli Stati Uniti.

Nei primi anni '70, iniziò a sperimentare con la stampa a trasferimento di colore, un processo che consentiva all'artista di controllare la luminosità del colore. Questo permise a Eggleston di intensificare le tonalità già sature che permeavano le sue immagini, rendendole così ancora più suggestive; la sua opera del 1973 raffigurante una lampadina solitaria su un soffitto rosso sangue fu la sua prima creazione realizzata con questa tecnica ed è senza dubbio una delle sue più iconiche, permeata da un palpabile senso di presagio che incarna il suo talento anomalo.

Contemporaneamente, un gruppo di fotografi anticonformisti stava a sua volta esplorando il colore e, sebbene forse fossero influenzati e incoraggiati da Eggleston, furono figure chiave del movimento cromatico a pieno titolo.

Stephen Shore è un esempio notevole, i suoi ritratti della vita ordinaria nell'America degli anni '70 hanno catturato lo spirito del tempo. Allo stesso modo Joel Meyerowitz, che ha catturato la carnagione squisita e in continua evoluzione di Cape Cod, Massachusetts, in una serie di ritratti che sono stati pubblicati nel fotolibro Faro di Capo nel 1979, ora considerato uno dei più influenti del ventesimo secolo.

Un'altra figura chiave del movimento razziale americano è stata Helen LevittLe sue raffigurazioni spontanee della New York degli anni '70 catturano le complessità della vita quotidiana e dimostrano una comprensione del colore che non ha nulla da invidiare a quella dei suoi contemporanei uomini più famosi.

All'inizio degli anni '80 il predominio del monocromatico era diminuito e una nuova ondata di influenti fotografi a colori emerse, in particolare Joel Sternfeld e Martin Parr.

Oggi la fotografia a colori è così dominante che è difficile immaginare questo mezzo senza di essa. Il suo innegabile potere è forse espresso nel modo più efficace da uno dei suoi primi sostenitori, Ernst Haas:

“Il colore è gioia. Non si pensa alla gioia, la si lascia trasportare”.

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