Profilo Ruth Bernhard

Considerato “Il miglior fotografo di nudo”  dalla sua amica e contemporanea Ansel Adams, Ruth Bernhard, rinomata per le sue sorprendenti composizioni monocromatiche, è stato uno dei fotografi più importanti del ventesimo secolo.

Nato a Berlino nel 1905, suo padre era un designer multidisciplinare, noto soprattutto per il suo lavoro grafico e tipografico, che lo portò alla fama come ‘Il padre del manifesto tedesco. Sebbene non fosse sempre presente durante la sua giovinezza, egli rimase un'importante fonte di ispirazione, e non sorprende quindi che nel 1925 abbia scelto di studiare tipografia e storia dell'arte all'Accademia di Belle Arti di Berlino.

Partì nel 1927, trasferendosi a New York per raggiungere il padre, emigrato alcuni anni prima. Fu qui che iniziò il suo vivo interesse per la fotografia, lavorando inizialmente come assistente in camera oscura nello studio del rinomato fotografo e regista Ralph Steiner. Sebbene vi rimase per poco più di un anno, l'esperienza la spinse ad acquistare la sua prima macchina fotografica, una 8x10, segnando l'inizio di una straordinaria carriera durata settant'anni.

L'acquisto della macchina fotografica coincise con il suo trasferimento a Manhattan, precisamente a Greenwich Village, dove trovò il suo posto nella comunità artistica lesbica (Bernhard ebbe relazioni sentimentali sia con uomini che con donne nel corso della sua vita). Fu qui che iniziò a sperimentare con la rappresentazione del nudo femminile, sebbene sarebbero passati alcuni anni prima che tali immagini venissero pubblicate.

La sua grande svolta arrivò nel 1930, sotto forma di Salvavita, una composizione parzialmente astratta che raffigura piccole caramelle alla menta circolari che rotolano timidamente su una superficie piana. Mostrando parte della maestria nell'uso della luce e della forma per cui sarebbe poi diventata sinonimo, ha attirato l'attenzione del Dr. MF Agha, allora direttore artistico di Voga, che ne ha organizzato la pubblicazione in Rivista di arte pubblicitariauna fanzine un anno dopo. Questo a sua volta portò a numerosi incarichi simili, principalmente nel campo della pubblicità e del design industriale.

La primavera del 1934 segnò un punto importante nella carriera di Bernhard. Ricevette l'incarico dal Museum of Modern Art di fotografare la loro Arte meccanica la mostra allegata al catalogo (il primo catalogo ufficiale di una mostra mai prodotto dal museo).

Uno degli oggetti esposti era una grande ciotola di metallo, all'interno della quale, per rendere l'opera più suggestiva, Bernhard aveva ritratto una sua amica, rannicchiata nuda, in quella che rappresentava la sua prima raffigurazione pubblicata del corpo femminile nudo.

Un anno dopo si trasferì in California, dove un incontro casuale con Edward Weston avrebbe cambiato radicalmente il corso della sua carriera. Colpita dall'approccio artistico dei suoi colleghi fotografi, Bernhard comprese per la prima volta il vero potenziale del mezzo. “Fu un fulmine nell'oscurità”,” ha detto lei. “Davanti a me c'era la prova inconfutabile di ciò che avevo ritenuto possibile: un artista di straordinaria vitalità il cui mezzo espressivo era la fotografia.” 

I due strinsero una profonda e duratura amicizia, durante la quale Weston svolse una sorta di ruolo di mentore per l'artista più giovane. Le immagini di entrambi sono permeate da un palpabile senso di drammaticità, ricche di simbolismo, che a tratti sfiorano il surrealismo, e condividono una predilezione per la rappresentazione dell'organico.

Weston, anch'egli immortalò la forma nuda, sebbene non con la stessa prolificità di Bernhard, che osservava i soggetti con occhio empatico. Le immagini sono tenere, Impregnata di erotismo, sebbene non esplicitamente sessuale, in opposizione alla diffusa oggettivazione delle donne nell'arte di quel periodo, e un approccio che avrebbe avuto un'enorme influenza sul movimento femminista della fotografia degli anni '70.

Era una fotografa quasi esclusivamente di studio, paziente e meticolosa nel suo approccio, che spesso impiegava diversi giorni per allestire una singola composizione e scattava invariabilmente da un'unica angolazione ben studiata. La sua maestria nell'uso della luce è notevole, conferendo ai suoi soggetti (sia umani che inanimati) una delicata qualità scultorea, al fine di esaltare appieno la bellezza delle loro forme.

Nonostante avesse riscosso notevoli consensi negli ambienti della fotografia, come molte sue contemporanee, rimase relativamente sconosciuta al grande pubblico per gran parte della sua carriera. Guadagnò la maggior parte dei suoi introiti grazie a commissioni private e, a partire dagli anni '60, dall'insegnamento, sia privatamente che presso diverse prestigiose università.

Considerava questo lavoro di maggiore importanza rispetto alla fotografia e, piuttosto che concentrarsi sugli aspetti tecnici del mezzo, dedicava i suoi sforzi a insegnare agli studenti come osservare e a sfruttare il potere della luce, abilità che avevano reso il suo lavoro così eccezionale.

All'inizio degli anni '70, la popolarità della fotografia nel suo complesso iniziò ad aumentare esponenzialmente e, di conseguenza, il lavoro di Bernhard iniziò finalmente a ricevere il riconoscimento che meritava pienamente. Entro la fine del decennio le sue immagini furono incorporate nelle collezioni permanenti sia del Museo d'Arte Moderna di San Francisco e il Museo d'arte metropolitano a New York, mentre il primo portfolio del suo lavoro, Luce raccolta è stato pubblicato nel 1979.

Nel 1986 “Il Corpo Eterno” Una monografia che comprendeva cinquanta dei suoi nudi fu pubblicata con grande successo, consolidando il suo posto come una delle migliori fotografe del nudo nella storia della fotografia. Morì nel 2006, due mesi dopo il suo 101° compleanno, lasciando dietro di sé un'opera straordinaria. Quello, Ancora oggi, continua a deliziare e ispirare gli spettatori.

Tutte le immagini © Ruth Bernhard