Durante la década de los 90, el director de cine de la segunda ola de Hong Kong, Wong Kar-Wai, alcanzó gran prominencia en el mundo del cine, obteniendo el reconocimiento de la crítica cinematográfica tras éxitos rotundos como Chungking Express, Fallen Angels y In the Mood for Love, que expresaban las complejidades del amor moderno en Hong Kong.
A finales de los años 90, junto con su colaborador y amigo de toda la vida, el director de fotografía Christopher Doyle, WKW había desarrollado un lenguaje cinematográfico basado en una paleta de ciertos colores, cada uno con sus propios significados e entonaciones.
Con películas impregnadas de tonos profundos y significativos, y metáforas visuales desarrolladas para enfatizar el melodrama de la historia, podemos comprender la narrativa sin depender del diálogo como ayuda.
En esta imagen fija de Expreso Chungking Por ejemplo, sin que se les diga explícitamente que los personajes se enfrentan a una separación, WKW utiliza un azul intenso junto con el elemento visual de un pequeño avión para sugerir que los personajes no se verán durante mucho tiempo después de este encuentro; el azul aquí representa la melancolía que se avecina.
La paleta en En El estado de ánimo para el amor También se caracteriza por el uso de colores primarios distintivos, que alternan entre rojos y negros. Narra la historia de dos vecinos solitarios en un apartamento de Hong Kong que forjan una compleja relación sobre las cenizas de sus respectivos matrimonios. Los tonos rojos y negros sirven para enfatizar la dolorosa contención y la pasión que los protagonistas experimentan y se niegan a expresar.
Estos colores se yuxtaponen con verdes y azules que enfatizan la tristeza y la constatación de que sus respectivos matrimonios se están desmoronando. En el estado de ánimo para el amor Es una gran lección de improvisación: al no haber guion, todos los elementos escénicos y las localizaciones sirven como recursos narrativos. A pesar de la escasa planificación, Wong Kar Wai y el director de fotografía Christopher Doyle logran ofrecer una historia concisa y llena de significado.
“Soy una persona muy temperamental. Lo tradicional me resulta un poco aburrido…”. Los chinos son bastante conservadores con las imágenes, así que hay que abrirse paso desde dentro.” – Wong Kar-Wai
Inspirándonos en cineastas como WKW, podemos observar cómo la fotografía contribuye a generar emociones mediante el uso del color. La obra de Nan Goldin es un buen ejemplo. Utilizando la luz natural y los colores reflejados en los interiores, Goldin logra evocar sentimientos de alienación, melancolía y deseo en sus imágenes.
En la que quizás sea su imagen más famosa, podemos leer mucho: captamos estas sutiles señales a partir de la mirada de Nan, la espalda de su amante, el resplandor de la luz matutina que sugiere un lento regreso a la realidad y la partida de los amantes.
Asimismo, el fotógrafo canadiense Greg Girard, quien también trabajó extensamente en Hong Kong, captura la sensación de alienación que conlleva ser extranjero en una gran ciudad. Sus recorridos nocturnos están impregnados del brillo de las luces de neón. Estos colores sirven para enfatizar que el espacio urbano se caracteriza por la contradicción: binomios conflictivos que dan forma a nuestras metrópolis, una alienación que invita a la reflexión.
En Hong Kong, existe un marcado contraste entre el día y la noche, una lucha entre las caras que mostramos al mundo y la lucha por ocultar la verdad tras la etiqueta social y la tradición.
Se pueden extraer muchas lecciones de fotografía de las películas de Wong Kar-Wai. Aunque trabajemos con herramientas limitadas, color puede capturar la vitalidad de un paisaje, revelan el juego de la memoria e implantan enigmas en el subconsciente del espectador.
A diferencia del cine, la fotografía no cuenta con el poder del sonido o el movimiento, por lo que una imagen debe ser capaz de transmitir las emociones singulares que sienten los sujetos, cuando falta el diálogo.
La forma magistral en que Wong Kar-Wai ilumina y tonaliza una escena es un manifiesto sobre las connotaciones psicológicas y emocionales de color, y las diversas maneras en que estas connotaciones pueden emplearse y manipularse.
Junto con el enfoque ingenioso y experimental de Christopher Doyle, podemos ver que, si bien la planificación y la perfección técnica suelen ser un requisito previo para la fotografía comercial, la fotografía urbana se presta a un enfoque más relajado e improvisado que refleja los innumerables defectos e idiosincrasias que conforman la vida en la ciudad.
Todas las imágenes © de sus respectivos propietarios