Negli anni ’90, Wong Kar-Wai, regista della seconda ondata cinematografica di Hong Kong, raggiunse la notorietà nel mondo del cinema, ottenendo il riconoscimento della critica grazie a successi come Chungking Express, Fallen Angels e In the Mood for Love, che esploravano la complessità dell'amore moderno a Hong Kong.
Verso la fine degli anni ’90, insieme al collaboratore e amico di lunga data, il direttore della fotografia Christopher Doyle, WKW aveva sviluppato un linguaggio cinematografico basato su una tavolozza di determinati colori, ognuno con il proprio significato e la propria intonazione.
Grazie a film intrisi di toni profondi e significativi, e a metafore visive sviluppate per enfatizzare il melodramma della storia, possiamo dedurre la narrazione senza dover ricorrere ai dialoghi.
In questa immagine tratta da Chungking Express Ad esempio, senza che venga esplicitamente detto che i personaggi si troveranno ad affrontare una separazione, WKW usa un blu intenso insieme all'immagine di un piccolo aeroplano per suggerire che i personaggi non si vedranno per molto tempo dopo questo incontro: il blu qui rappresenta la malinconia incombente.
La tavolozza in In L'umore per amare È anche un'opera caratterizzata da colori primari ben definiti, che oscillano tra il rosso e il nero. Racconta la storia di due vicini solitari in un appartamento di Hong Kong che costruiscono una relazione complessa sulle ceneri dei rispettivi matrimoni, e il rosso e il nero servono a sottolineare la dolorosa repressione e la passione che i protagonisti provano e si rifiutano di assecondare.
Questi colori sono contrapposti ai verdi e ai blu, che sottolineano la tristezza e la consapevolezza che i rispettivi matrimoni stanno andando in pezzi. In the Mood for Love È un'ottima lezione di improvvisazione: non essendoci una sceneggiatura, tutti gli elementi scenici e le location fungono da supporti narrativi. Nonostante la scarsa pianificazione, Wong Kar Wai e il direttore della fotografia Christopher Doyle riescono a raccontare una storia concisa e ricca di significato.
“Sono una persona molto lunatica. Trovo le cose tradizionali un po' noiose…. I cinesi sono piuttosto conservatori in fatto di immagini, quindi bisogna sfondare dall'interno.” –Wong Kar-Wai
Traendo ispirazione da registi come WKW, possiamo osservare come la fotografia contribuisca a creare emozioni attraverso l'uso del colore. Il lavoro di Nan Goldin ne è un ottimo esempio. Utilizzando la luce naturale e i riflessi di colore degli interni, Goldin riesce a evocare nelle sue immagini sentimenti di alienazione, malinconia e desiderio.
In quella che è forse la sua immagine più famosa, possiamo leggere moltissimo: cogliamo questi sottili indizi nello sguardo di Nan, nella schiena del suo amante, nel bagliore della luce mattutina che suggerisce un lento ritorno alla realtà e la partenza dell'amante.
Allo stesso modo, il fotografo canadese Greg Girard, che ha scattato molte foto anche a Hong Kong, cattura il senso di alienazione che si prova a essere stranieri in una grande città. Le sue peregrinazioni notturne sono sature del bagliore delle luci al neon. Questi colori servono a sottolineare come lo spazio urbano sia caratterizzato da contraddizioni: binari contrastanti che creano le nostre metropoli, un'alienazione invitante.
A Hong Kong, c'è un netto contrasto tra il giorno e la notte, una lotta tra la facciata che mostriamo al mondo e la lotta per nascondere la verità dietro l'etichetta sociale e la tradizione.
Molti insegnamenti sulla fotografia possono essere appresi dai film di Wong Kar-Wai. Anche se potremmo lavorare con strumenti limitati, colore può catturare la vitalità di un paesaggio, rivelano il gioco della memoria e impiantano enigmi nel subconscio dello spettatore.
A differenza del cinema, la fotografia non può contare sul potere del suono o del movimento, quindi un'immagine deve essere in grado di esprimere le emozioni uniche provate dai soggetti, laddove manca il dialogo.
Il modo magistrale di Wong Kar-Wai di illuminare e tonalizzare una scena è un manifesto sulle connotazioni psicologiche ed emotive di colore, e i vari modi in cui queste connotazioni possono essere impiegate e manipolate.
Grazie all'approccio ingegnoso e sperimentale di Christopher Doyle, possiamo constatare che, mentre la pianificazione e la perfezione tecnica sono in genere prerequisiti per la fotografia commerciale, la fotografia urbana si presta a un approccio più rilassato e improvvisato, che riflette le infinite imperfezioni e idiosincrasie che caratterizzano la vita cittadina.
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