Editorial Fotografía y Música

¿Cómo capturar la crudeza de un sonido cuando resuena en los amplificadores? Ésta ha sido la búsqueda de los fotógrafos musicales durante generaciones, desde las fotografías icónicas de estrellas del rock y el pop de los años 60 y 70 hasta los primeros días del punk y el hip hop. Captar un sonido es imposible, pero captar un sentimiento es otra historia…

Cuando se habla de fotografía musical, también hay que considerar las identidades subculturales y sus significados visuales. Cuando alguien dice “metal” pocas cosas le vienen a la mente de forma casi instantánea.

Por supuesto, está la música, pero luego está la ropa, los pantalones negros holgados y las sudaderas con capucha, el pelo largo, las barbas y los piercings. Lo mismo puede decirse del hip-hop, el punk, el grunge y prácticamente de todos los demás géneros musicales.

Las identidades que la PEOPLE crea para sí misma, que, al menos a finales del siglo XX, se alinea con la música, ha sido tema de muchos fotógrafos. Derek Ridgers, que ha tomado fotos de todo el mundo, desde James Brown hasta Nick Cave, se hizo famoso con su proyecto fundamental "Skinheads", que se centró en el controvertido culto juvenil de los primeros años de Thatcher en Gran Bretaña a finales de los 70 y principios de los 80.

Sus impactantes imágenes de jóvenes tatuados y con la cabeza rapada que seguían el punk y la música hardcore hablan de rebelión pero también tienen un trasfondo sutilmente político. Su obra marca un momento importante en la historia británica moderna y analiza las complejidades de la austeridad bajo Thatcher desde la perspectiva de la juventud descontenta. sus trabajos fue posteriormente reconocido por Morrissey y utilizado para promover la Tu gira por el Arsenal.

Del mismo modo, Graeme Oxby ha estado trazando la obsesión del mundo con Elvis y hasta dónde llegan los fanáticos para acercarse a sus ídolos. Su proyecto Los reyes de inglaterra sigue a los imitadores de Elvis mientras viven la monotonía de su vida diaria con la ayuda de The King.

El trabajo de Oxby es una exploración irónica de estos superfans de Elvis mientras compiten por el trabajo, actúan en sus pueblos locales y cantan en sus habitaciones. Al enfocarse no en los artistas mismos, sino en los fanáticos y sus relaciones con el músico, uno puede percibir el impacto cultural que la música ha tenido en décadas de personas.

En el otro lado del mundo, el trabajo del fotógrafo maliense Malick Sidibé capturó el zeitgeist eufórico que se apoderó de Bamako en la década de 1960 cuando el dominio colonial francés estaba terminando en Mali. A medida que la nación sufría cambios profundos, la juventud, naturalmente, respondió a esto, liberándose de sus grilletes adoptando la música y la moda como medios de expresión.

Sidibé afirma “Estábamos entrando en una nueva era y la PEOPLE quería bailar. La música nos liberó. De repente, los hombres jóvenes pudieron acercarse a las mujeres jóvenes, sostenerlas en sus manos. Antes, no estaba permitido. Y todos querían ser fotografiados bailando de cerca ". Su foto icónica de una pareja bailando en un club en la víspera de Año Nuevo en 1963 es un momento perfecto de puro éxtasis donde casi se puede escuchar la música.

Durante el mismo período, Roy DeCarava estaba documentando la vida en su amada ciudad de Nueva York, capturando escenas cotidianas en las calles de la ciudad y, por la noche, centrando su atención en los artistas de jazz que incendiaban los clubes clandestinos de la ciudad.

Transcritas en su lenguaje visual poético y modernista, las imágenes de DeCarava, que fueron publicadas en el fotolibro '”The Sound I Saw”, encarnan la esencia del tema: espontánea, subjetiva y cautivadora.

“Hago muchas compras por curiosidad. Lo compro si me gusta la portada del álbum, lo compro si me gusta el nombre de la banda, cualquier cosa que despierte mi imaginación ”. Bruce Springsteen

Además, la sinergia creativa entre fotografía y música siempre ha sido un elemento importante del diseño de álbumes. Numerosos fotógrafos de renombre internacional están detrás de algunos de los álbumes más emblemáticos de la historia de la música, imágenes que permanecen en la memoria colectiva de la sociedad.

Desde cuatro hombres en un paso de cebra, hasta un monje budista envuelto en llamas, la cremallera de un par de jeans ajustados azules, un hombre en llamas dando la mano a otro hombre, solo algunos ejemplos de la representación visual otorgada a los vinilos negros dentro de los cuales han dejado profundas impresiones en generación tras generación de fanáticos de la música.

Aunque el formato del álbum ha ido cambiando desde el advenimiento de la música digitalizada y el crecimiento de la transmisión en línea, y tal vez perdiendo algo de su importancia como obra de arte, la fotografía y la música continuarán rebotando entre sí mientras los músicos y fotógrafos sigan apreciando una el oficio de otro. Muchas de las portadas de álbumes más icónicas de la actualidad no fueron trabajos por encargo, sino el resultado de que los propios músicos examinaran la historia visual.

Aunque la música y las fotografías existen para hablar por sí mismas, indudablemente se influyen mucho entre sí y se han conocido de infinitas maneras. A medida que la música misma cambia, se abren infinitas posibilidades para que los fotógrafos documenten este paisaje fluctuante, tanto de manera expresiva como más periodística.

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