Interview Cody Cobb

Der in Seattle ansässige Fotograf Cody Cobb macht in vielen Fotografie-Blogs und auf Websites von sich reden, aber wir glauben, dass seine Arbeit viel mehr ist als bloßes Füllmaterial für Ihren Instagram-Feed.

Landschaften wirken in der Natur, wenn man sie draußen betrachtet, unmenschlich groß. Ich nehme an, viele Menschen entdecken Ihre Arbeiten über Ihre Website oder Instagram. Dadurch wirkt diese riesige Zusammenstellung von Naturmotiven in einem Bild, das kleiner als die meisten Postkarten ist, umso beeindruckender. Führt das zu Problemen oder hat es außer der größeren Reichweite noch andere Vorteile für Ihre Arbeit?

Cody Cobb: Darüber habe ich in letzter Zeit viel nachgedacht. Es ist seltsam, sich diese riesigen Orte auf diese Größe reduziert vorzustellen und trotzdem noch so viel emotionale Wirkung zu haben. Ich finde, die Kompositionen und Farben sind meist so eindrucksvoll, dass sie selbst in so kleinem Format die Aufmerksamkeit auf sich ziehen, aber es frustriert mich, dass die Menschen dort nicht verweilen können.

Trotzdem bin ich dankbar, dass diese Online-Plattformen es so vielen Menschen ermöglicht haben, meine Arbeit zu sehen. Ich frage mich wirklich, was andere in meinen Fotos finden, wenn sie sie auf diese Weise betrachten. Fühlen sie sich aus rein ästhetischen Gründen davon angezogen oder empfinden sie tatsächlich etwas beim Anblick der Bilder? Ich möchte nicht, dass meine Fotos zu bloßen Reisefotos verkommen, aber das liegt nicht mehr in meiner Hand, sobald ich sie online und aus dem Kontext gerissen teile.

– Wie stehst du konkret zur Nutzung von Instagram? Jeder, ob Fotograf oder nicht, scheint es mittlerweile zu nutzen, und es ist ein Werkzeug, um eine große Gruppe von Menschen zu erreichen, aber bringt es dir (positiv oder negativ) irgendetwas abseits der Möglichkeit, deine Arbeit zu teilen?

Cody Cobb: Instagram war etwas, dem ich fünf oder sechs Jahre lang widerstanden habe, weil ich mein Handy nicht zum Fotografieren benutzte. Mir war bis vor ein paar Jahren nicht bewusst, dass Leute es nutzten, um ihre Arbeiten zu teilen, aber das schien mir fast ein Missbrauch der Plattform zu sein. Ehrlich gesagt, habe ich erst damit angefangen, als mir klar wurde, dass ich nicht viele Möglichkeiten hatte, meine Bilder zu zeigen. Am liebsten würde ich mich zurückziehen und etwa alle zwölf Monate ein Buch veröffentlichen, aber ich gab dem Druck nach, ständig neue Arbeiten zu teilen.

Eine meiner größten Herausforderungen war es, nicht in die Falle zu tappen, mein Selbstvertrauen von anderen abhängig zu machen. Mir fällt auf, dass meine Lieblingsbilder, die meist subtiler sind, schlechter ankommen als die auffälligeren. Ein Foto auf Instagram muss innerhalb weniger Sekunden die Aufmerksamkeit fesseln, sonst geht es in der Masse unter. Ich muss aufpassen, dass mich das nicht bei meinen Aufnahmen beeinflusst. Ein weiteres Problem ist, dass ich einige sehr sensible Gegenden der Öffentlichkeit preisgebe. Ich teile zwar die meisten Standorte nicht mehr, aber ich befürchte, dass verantwortungslose und respektlose Menschen diese Orte aufsuchen könnten. Ich bin entsetzt bei dem Gedanken, was mit diesen besonderen, ungeschützten Landschaften passieren könnte.

– In einem früheren Interview sagten Sie, Sie hofften, Ihre Landschaftsfotografie sei “schlicht und ehrlich”. Wie kann man in einem Foto ehrlich sein? In welchen Bereichen der Landschaftsfotografie beobachten Sie, dass Menschen in ihren Arbeiten unehrlich sind?

Cody Cobb: Ehrlichkeit ist ein ziemlich vielschichtiger Begriff, wenn ich so darüber nachdenke. Ich möchte einfach, dass meine Fotos die Erde so zeigen, wie ich sie erlebt habe. Ehrlichkeit ist ein schwer fassbarer Wert, den ich zu bewahren versuche, der aber in jedem Schritt des fotografischen Prozesses – von der ersten Beobachtung bis zum Druck des Bildes – leicht verloren geht. Dinge wie die Farbe, die einen so großen Teil meiner Arbeit ausmacht, können verfälscht werden. Ich möchte meine Erinnerung so genau wie möglich wiedergeben, aber das menschliche Gehirn ist ziemlich unzuverlässig, wenn es darum geht, diese fernen Erinnerungen zu rekonstruieren. Vielleicht ist es unmöglich, in der Fotografie vollkommen ehrlich zu sein? Ich denke jedenfalls nicht, dass ich in der Position bin, die Landschaftsfotografien anderer Fotografen als unehrlich zu bezeichnen.

– Was ist die größte Herausforderung, der Sie sich heute als Fotograf stellen müssen?

CC: Es fällt mir schwer, als Landschaftsfotografin einen eigenen Stil zu finden, in einem Genre, das ja schon sehr überlaufen ist. Auch in der Kunstwelt ist es schwierig, meine Arbeiten zu etablieren. Ich habe das Gefühl, an eine Art Barriere gestoßen zu sein, und versuche deshalb, diese zu überwinden, indem ich an Portfolio-Reviews teilnehme und mich bei offenen Ausschreibungen bewerbe. Zum Glück bin ich noch nie so motiviert, rauszugehen und zu fotografieren.

Bislang konnte ich mich noch nicht voll und ganz der Fotografie widmen. Ich arbeite als Designerin, um genug Geld zu sparen, um mir die nötige Auszeit für meine Outdoor-Aktivitäten nehmen zu können. Diese Balance zu finden, war eine große Herausforderung, und so wichtig meine Arbeit als Designerin auch ist, lenkt sie mich doch oft von der Fotografie ab.

Ich habe Landschaftsaufnahmen anderer Fotografen gesehen, die einsam wirken, doch ich finde, “Einsamkeit” beschreibt Ihre Arbeit besser. Haben Sie beim Fotografieren in der Wildnis irgendwelche Rituale, die Ihnen helfen, solch friedliche Kompositionen zu finden und zu verhindern, dass die Bilder zu karg wirken?

CC: Einsamkeit ist ein tolles Wort, danke! Ich versuche wirklich, mit meinen Fotos sowohl die innere als auch die äußere Welt einzufangen. Alleinsein ist für mich ein wesentlicher Bestandteil meines Prozesses. Es erlaubt mir, sensibel genug zu sein, um sowohl den Ort als auch die Gefühle wahrzunehmen. Stundenlanges Alleinsein wird für mich zu einem Ritual. Sobald ich an nichts mehr denken kann, bin ich offener für die Feinheiten meiner Umgebung.

– Von welchem Fotografen oder Maler haben Sie am meisten über Komposition gelernt?

CC: Richard Misrach ist der Fotograf, der mich am meisten beeinflusst hat, so sehr, dass ich mich beherrschen muss, seine Bilder nicht zu lange anzusehen. Seine Landschaftsfotografien berühren mich zutiefst. Ich bin mir nicht sicher, ob das an seiner Technik liegt, aber seine Fotos sind mehr als nur die Abbildung eines Ortes.

Was die Bildkomposition angeht, ist es so, als würde er diese Orte so fotografieren, wie er sie beim ersten Blick wahrnimmt. Das ist auch mein Ansatz: Ich lasse mich vom ersten Eindruck einer Umgebung leiten, obwohl ich dazu neige, das Motiv zu sehr in den Mittelpunkt zu rücken, um das Offensichtliche hervorzuheben.

– Sie sagten zuvor, dass zwei Ihrer größten Inspirationsquellen “Maler des 19. Jahrhunderts und die Sensibilität der New Topographics-Bewegung” seien. Sie führten weiter aus, dass diese beiden Gruppen von Bildschaffenden einander entgegengesetzt seien. Was genau haben Sie von diesen scheinbar gegensätzlichen Denkweisen gelernt, und wie verschmelzen diese beiden Elemente in Ihrer Arbeit, anstatt miteinander zu kollidieren? Oder kollidieren sie, und genau das ist Ihre Aussage?

CC: Ich glaube, in meiner Arbeit prallen diese beiden Konzepte aufeinander, weil meine eigene Interpretation der Natur im Wandel begriffen ist. Ich neige dazu, die Natur zu romantisieren und sie, losgelöst vom Menschen, auf ein Podest zu stellen. Manchmal löst sich diese Dichotomie auf, wenn die Grenzen zwischen Natur und Künstlichkeit verschwimmen. Die Fotografen der New Topographic haben dieses Konzept meiner Meinung nach sehr gut eingefangen und gleichzeitig die Banalität des frühen Anthropozäns dokumentiert. Ich lasse mich in Bezug auf Komposition und gelegentlichen trockenen Humor stärker von der New Topographic inspirieren. Die subtile Dramatik, mit der die romantischen Maler das Licht darstellten, beeinflusst meinen Umgang mit Farbe.

– Sie bereisen Gegenden, insbesondere im Westen der USA, die in der Landschaftsfotografie bekannt sind. Meine Frage dazu ist zweigeteilt: 1) Verspüren Sie den Drang, diese Orte aufzusuchen, um sich in eine bestimmte Tradition einzureihen? 2) Was haben Sie im frühen 21. Jahrhundert zu sagen, was andere in der Vergangenheit noch nicht gesagt haben?

CC: Ich fühle mich zwar zu den großen Reisezielen wie Yosemite und Canyonlands hingezogen, aber die meiste Zeit verbringe ich meist an den Orten dazwischen. Viele der Felsformationen und Aussichten, die ich fotografiere, sind unbenannt oder unbekannt, daher versuche ich gewissermaßen, dem Alltäglichen etwas Mystisches abzugewinnen. Ich mag die Herausforderung, an Orten, die schon so oft besucht wurden, etwas Neues zu entdecken. Ich glaube, es wird im frühen 21. Jahrhundert immer schwieriger, Ruhe und Abgeschiedenheit zu finden. Vielleicht gehören meine Fotos zu den letzten Zeugnissen dieser leeren und scheinbar unberührten Orte.

– Zum Schluss würde ich mich über eine Anekdote von einer Ihrer Reisen freuen; ich bin sicher, es gibt viele. Haben Sie eine, die uns etwas über die Landschaften verrät, die Sie fotografieren?

CC: In meiner Serie “Westen” gibt es ein Foto, das einen Moment tiefer Angst einfängt, als ich ohne Schutz in ein Gewitter geriet. Es zeigt die Wolken, die eine dunkle Vignette um ein verblassendes Licht am Horizont bilden, während dazwischen Schnee die weite Wüste bedeckt. Ich hatte wirklich Angst, als ich mitten in dieser flachen Ebene stand. Ich überlegte ernsthaft, zum Ausgangspunkt des Wanderwegs zurückzukriechen, um nicht den Zorn eines Himmelsgottes auf mich zu ziehen.

Alle Bilder © Cody Cobb