Amerikanischer Fotograf Cody Cobb spricht über seine Praxis der Landschaftsfotografie zur Zeit von Instagram und die Herausforderungen, denen sich Fotografen des 21. Jahrhunderts gegenübersehen.
Der in Seattle lebende Fotograf Cody Cobb hat auf vielen Fotografie-Blogs und Websites die Runde gemacht, aber wir glauben, dass seine Arbeit viel mehr als nur ein Füllstoff für Ihren Instagram-Feed ist.
- Landschaften als solche sind unmenschlich groß, wenn man sie in der Natur betrachtet. Ich würde annehmen, dass viele Leute über Ihre Website oder auf Instagram zu Ihrer Arbeit kommen, was diese unglaublich große Gruppierung natürlicher Objekte zu einem Bild macht, das kleiner ist als die meisten Postkarten. Verursacht es irgendwelche Probleme oder kommt es Ihrer Arbeit auf eine bestimmte Art und Weise zugute, außer der Tatsache, dass es einem größeren Publikum zugänglich gemacht wird?
Cody Cobb: Darüber habe ich in letzter Zeit nachgedacht. Es ist seltsam, an diese riesigen Orte zu denken, die auf diese Größe reduziert sind und immer noch emotionales Gewicht haben. Ich denke, die Kompositionen und Farben, die ich finde, sind normalerweise auffällig genug, um jemandes Aufmerksamkeit bei einer so geringen Größe zu erregen, aber ich bin frustriert, weil die Leute nicht in der Lage sind, in ihnen zu verweilen.
Trotzdem bin ich dankbar, dass diese Online-Plattformen es ermöglicht haben, dass meine Arbeit von so vielen Menschen gesehen wird. Ich frage mich wirklich, was andere auf meinen Fotos finden, wenn ich sie so betrachte. Werden Menschen aus rein ästhetischen Gründen davon angezogen oder fühlen sie tatsächlich etwas, wenn sie sie betrachten? Ich möchte nicht, dass meine Fotos zu Reisefutter werden, aber das liegt außerhalb meiner Kontrolle, sobald ich sie online und außerhalb des Kontexts teile.
- Wie denkst du speziell über die Verwendung von Instagram? Jeder, ob Fotograf oder nicht, scheint es jetzt zu benutzen und es ist ein Werkzeug, um eine große Gruppe von Menschen zu erreichen, aber tut es etwas für Sie (positiv oder negativ), außer Ihre Arbeit zu teilen?
Cody Cobb: Instagram war etwas, dem ich mich 5 oder 6 Jahre lang widersetzte, weil ich mein Handy nicht zum Fotografieren benutzte. Ich wusste erst vor ein paar Jahren, dass die Leute damit ihre eigentliche Arbeit teilen konnten, aber das schien fast ein Missbrauch der Plattform zu sein. Ehrlich gesagt begann ich erst damit, nachdem mir klar wurde, dass ich nicht viele Möglichkeiten hatte, meine Bilder zu sehen. Ich würde mich viel lieber alle 12 Monate verstecken und ein Buch veröffentlichen, aber ich gab dem Druck nach, einen ständigen Strom von Arbeit zu teilen.
Eine meiner größten Herausforderungen war es, der Falle des Crowdsourcing meines Selbstbewusstseins zu widerstehen. Ich neige dazu zu bemerken, dass meine bevorzugten und normalerweise subtileren Bilder schlechter abschneiden als die offensichtlicheren. Ein Foto auf Instagram muss innerhalb weniger Sekunden die Aufmerksamkeit einer Person auf sich ziehen, da es sonst nur in Hintergrundgeräusche übergeht. Ich muss aufpassen, dass das die Dinge, die ich fotografiere, nicht beeinflusst. Ein weiteres potenzielles Problem ist die Tatsache, dass ich der Welt einige ziemlich sensible Bereiche aussetze. Ich habe für die meisten von ihnen aufgehört, Orte zu teilen, aber ich befürchte, dass verantwortungslose und respektlose Menschen diese Orte aufsuchen könnten. Ich bin entsetzt darüber nachzudenken, was mit diesen besonderen, ungeschützten Landschaften passieren könnte.
- In einem früheren Interview sagten Sie, dass Sie hoffen, dass Ihre Landschaftsarbeit „streng und ehrlich“ ist. Wie kann man auf einem Foto ehrlich sein? Wie konkret sehen Sie in der Landschaftsfotografie Menschen, die in ihrer Arbeit unehrlich sind?
Cody Cobb: Ehrlichkeit ist ein ziemlich belastetes Wort, jetzt, wo ich wirklich darüber nachdenke. Ich möchte einfach, dass meine Fotos die Erde so zeigen, wie ich sie erlebt habe. Ehrlichkeit ist ein vager Wert, den ich zu bewahren versuche, aber es ist so leicht, ihn in jedem Schritt des fotografischen Prozesses zu verlieren, von meiner ersten Beobachtung bis zum Drucken des Bildes. Dinge wie Farbe, die einen so großen Teil meiner Arbeit ausmacht, können verzerrt werden. Ich möchte das, was in meinem Kopf ist, mit dem abgleichen, an das ich mich erinnere, aber das menschliche Gehirn ist ziemlich unbeständig, wenn es darum geht, diese fernen Erinnerungen neu zu erstellen. Vielleicht ist es unmöglich, bei der Fotografie ganz ehrlich zu sein? Ich glaube nicht, dass ich in der Lage bin, die Landschaften anderer Fotografen als unehrlich zu bezeichnen.
- Was ist heute die größte Herausforderung für Sie als Fotograf?
CC: Ich hatte Schwierigkeiten, als Landschaftsfotograf eine einzigartige Stimme zu finden, ein Genre, das übersättigt ist. Ich kämpfe auch darum, einen Platz für meine Arbeit in der Welt der bildenden Kunst zu finden. In gewisser Weise habe ich das Gefühl, auf eine Art Barriere gestoßen zu sein, also versuche ich zu lernen, wie ich mich durchkämpfen kann, indem ich daran teilnehme portfolio Bewertungen und Einreichung bei open calls. Zum Glück war ich noch nie so motiviert, Fotos zu machen.
Bis jetzt konnte ich mich noch nicht ganz der Fotografie widmen. Ich arbeite als Designer, um genug Geld zu sparen, um mir die Zeit zu nehmen, die erforderlich ist, um in die Natur einzutauchen. Das Gleichgewicht zu finden war eine große Herausforderung und so notwendig meine Designarbeit auch ist, es kann eine Ablenkung von meiner Fotografie sein.
- Ich habe Landschaften von anderen Fotografen gesehen, die sich einsam fühlen, aber ich denke, ein besseres Wort, um Ihre Arbeit zu beschreiben, ist „Einsamkeit“. Wenn Sie in der Wildnis fotografieren, haben Sie Rituale, die Ihnen helfen, solch friedliche Kompositionen zu finden und sich dagegen zu wehren, dass sich die Bilder zu spärlich anfühlen?
CC: Einsamkeit ist ein großartiges Wort, danke! Ich versuche wirklich, mit meiner Fotografie die innere Welt genauso einzufangen wie die äußere Welt. Ich denke, allein zu sein ist ein wesentlicher Teil meines Prozesses, der es mir ermöglicht, sensibel genug zu sein, um sowohl den Ort als auch die Emotionen wahrzunehmen. Stundenlang alleine zu gehen wird zu einem Ritual für sich. Ich habe das Gefühl, wenn mir die Dinge ausgehen, über die ich nachdenken kann, bin ich offener dafür, die Feinheiten in meiner Umgebung zu beobachten.
- Aus welchem Werk des Fotografen oder Malers haben Sie am meisten über Komposition gelernt?
CC: Richard Misrach ist der Fotograf, der mich am meisten beeinflusst hat, so sehr, dass ich mich widersetzen muss, seine Arbeit zu lange zu betrachten. Seine Landschaften lassen mich tatsächlich etwas fühlen. Ich bin mir nicht sicher, ob dies durch seine Technik erreicht wird, aber seine Fotos enthalten mehr als nur eine Darstellung des Ortes.
In Bezug auf die Komposition ist es, als würde er diese Orte so fotografieren, wie er sie zuerst bemerkt. Das war mein Ansatz bei der Komposition, bei dem die anfänglichen Auswirkungen einer Umgebung die Art und Weise beeinflussen, wie ich sie aufzeichne, obwohl ich mich in der Regel zu stark auf die Zentrierung des Motivs verlasse, um auf das Offensichtliche hinzuweisen.
- Sie haben zuvor gesagt, dass zwei Ihrer größten Inspirationen „Maler des 19. Jahrhunderts und die Sensibilität der New Topographics-Bewegung“ sind. Sie sagen dann weiter, dass diese beiden Gruppen von Bildmachern im Gegensatz zueinander stehen. Was ist eine spezifische Sache, die Sie aus jeder dieser scheinbar gegensätzlichen Mentalitäten gelernt haben, und wie verschmelzen diese beiden Dinge in Ihrer Arbeit, anstatt aufeinander zu stoßen? Oder stoßen sie zusammen, und das ist Ihr Punkt?
CC: Ich denke, dass diese beiden Konzepte in meiner Arbeit zusammenstoßen, weil meine eigene Interpretation der Natur im Fluss ist. Ich finde es einfach, die Natur zu romantisieren und sie auf ein vom Menschen getrenntes Podest zu stellen. Zu anderen Zeiten löst sich diese Dichotomie auf, wenn die Grenzen zwischen natürlich und künstlich verschwimmen. Ich denke, die New Topographic-Fotografen haben dieses Konzept so gut festgehalten und gleichzeitig die Banalität des frühen Anthropozäns dokumentiert. Ich denke, ich ziehe mehr von der neuen Topografie in Bezug auf Komposition und gelegentlichen toten Humor. Das gedämpfte Drama, wie die romantischen Maler Licht gemacht haben, beeinflusst meinen Farbgebrauch.
- Sie reisen in einige Gebiete, insbesondere in den westlichen Vereinigten Staaten, die in der Landschaftsfotografie bekannt sind. Meine Frage hier ist zweifach; 1) Fühlen Sie sich angezogen, an diese Orte zu gehen, sich in eine Art Tradition zu versetzen, und 2) Was haben Sie im frühen 21. Jahrhundert zu sagen, was andere in der Vergangenheit nicht gesagt haben?
CC: Ich fühle mich sicherlich von den großen Reisezielen wie Yosemite und Canyon Lands angezogen, aber es sind die Orte dazwischen, an denen ich normalerweise die meiste Zeit verbringe. Viele der Formationen und Aussichten, die ich fotografiere, sind unbenannt oder unbekannt, also in Ich versuche, etwas Mystisches im Alltäglichen zu finden. Ich mag jedoch die Herausforderung, an Orten, die so ausführlich behandelt wurden, etwas Neues zu sehen. Ich glaube, es wird im frühen 21. Jahrhundert immer schwieriger, Einsamkeit zu finden. Vielleicht werden meine Fotos Teil der letzten verbliebenen Zeugnisse dieser leeren und scheinbar unberührten Orte sein.
- Zum Schluss würde ich gerne eine Anekdote über eine Ihrer Reisen hören. Ich denke, es müssen viele sein. Haben Sie eine, die uns etwas über die Landschaften erzählt, die Sie fotografieren?
CC: In meiner „West“ -Serie gibt es ein Foto, das einen Moment tiefer Angst einfängt, als ich in einem Gewitter ohne Schutz gefangen war. Es ist die Einstellung der Wolken, die diese dunkle Vignette um ein schwindendes Licht am Horizont bilden, und Schnee, der die weite Wüste dazwischen bedeckt. Ich hatte wirklich Angst, als ich mitten in dieser flachen Fläche stand. Ich überlegte ehrlich, zurück zum Ausgangspunkt zu kriechen, um die Aufmerksamkeit eines wütenden Himmelsgottes nicht auf sich zu ziehen.
Alle Bilder © Cody Cobb
